白描在中国画绘画中的重要性

白描在中国画绘画中的重要性

摘要：中国画的学习，第一堂课就是白描。从临摹入手，起笔，行笔，收笔，用心去体会线描的韵味。毛笔在手中提按的过程，就是体会的过程。可能在大多数人心里对中国画的第一印象是气势磅礴的山水画或者是行笔潇洒的写意画，但是我对中国画的第一印象是工整严谨的工笔画，线条流畅富有动感。白描是学习中国画的基础，在中国画绘画中是非常重要的部分。

关键词：白描中国画重要性

中国画历史悠久,中国画中完全用线条来表现物象的称“白描”, 是中国画的基础。作为中国画的重要组成部分,白描有很典型的特点,这也是中国画的共同特点,即写意性和强调书法用笔。历代白描作品风貌各异。白描在表现的技巧上

要求很高,在用笔上要求有力、流畅、变化。

一、中国白描

白描是中国绘画的传统技法之一，它的特征是用简练的墨色来勾勒画面，塑造形象，不施加色彩和渲染。由于中国人使用毛笔作画，因此以线立骨成为东方绘画艺术的基本特征。现在，中国画中的白描已被作为独立的一科，成为创作工笔画的基础，是学习中国画必备的基本功。从此可以看出白描的重要性。白描作为绘画中一个独立的科目，有与众不同的艺术特色，我们将它称为中国式白描。中国画的白描特别强调的是书法用笔,这也是中国画同样要遵循的准则,也就是所说的“书画同源”也是白描的另一个特点,即白描的书法性。中国画的白描和书法一样,同样孕育于中国的远古绘画和图案作品,在不断的发展中形成各自的体系,在各自的发展变化中受到我国古代哲学思想的影响,既各具形态,又相辅相成。李苦禅先生曾经说过“书至画为高度,画至书为极则”。白描是充分运用书法艺术这种抽象手段的。书法的形象语言即笔法是白描造型的语言,离开了书法的用笔,就很难言中国画。另外书法的精练贯通也无时无刻不影响着中国的绘画。从而,白描本身带上了强烈的书法趣味,白描的线条、墨韵,处处都透露着抽象之美,它有着独立的审美价值.宋代人物画家李公麟把方折、挺劲的线条有机地融合起来，形成自己的新风格，创造出“扫去粉黛，淡毫轻墨”“不施丹青而光彩动人”的白描，形成了独立的工笔绘画形式，开创了以文人士大夫审美情趣为基调的简雅放达的一代画风，后世赵孟頫、仇英、陈老莲无不效仿。由此可见，一幅高水平的白描，应是造型能力，笔法、墨法、线的有序组织及主观感受的集合体，偏颇任何一方或忽略任何一方，都不能成为一幅好的白描作品。优秀的作品有：战国时期的《人物龙凤帛画》，汉代

的画像石刻，北魏时期的敦煌飞天，晋代顾恺之的《女史箴卷》，唐代永泰公主李仙蕙墓石椁线画，周昉的《簪花仕女图》，张萱的《虢国夫人游春图》，五代时期周文矩的《重屏会棋图》、顾闳中的《韩熙载夜宴图》，宋代武宗元的《朝元仙仗》，元代永乐宫壁画，明代陈洪绶的木刻《水浒叶子》以及任渭长、任伯年的人物画绣像作品。

二、学习白描的途径

画好白描画有三个重要途径：首先，是要向我国优秀的绘画传统学习。其二，向优秀的西方艺术学习。其三，是在博览和临摹东西方优秀线描艺术作品的同时，进行大量的速写练习和线描写生。经过以上三条途径，可以尽快地提高欣赏层次和“以线造型”的能力。要了解工笔人物画的历史，从各个时期的优秀作品中，可选择高水平的传统作品作为范本反复临摹，仔细研究其作品精神和绘画技巧。

首先，向优秀的绘画传统学习，就要大量阅读理论著作和优秀的绘画作品。临摹在学习中国画当中特别受到重视，只靠到生活中去观察或写生是替代不了的，它必须是在写生锻炼的同时，辅之以临摹，才有可能去理解掌握它。因此，就中国画的学习而言，古来画家都非常重视临摹。东晋画家顾恺之，在他一篇题为《论画》的文章中，内容就是论述临摹方法及注意事项的。“以形写神”的理论，便是在这篇文章中提出来的。南齐画家谢赫，在其划时代的绘画论著中提出“六法”，其中有一项是“传移模写”。宋代李公麟是一位富于创造性的画家，但他非常重视通过临摹来提高自己的艺术修养。元、明、清以来的画家固不必说，就是近

人齐白石在教授门徒时也都非常强调通过临摹进行学习。其二，随着西洋画的传入，现代的中国画家在继承传统技法的基础上，不断吸收外国传入的绘画技法——包括素描、油画、水彩画等多种技法，大大丰富了传统中国画的表现技巧，有的画家在工具材料上也不断革新，把西洋画的技法巧妙地与中国画的传统技法融合在一起，无疑是中国画发展的一个方向。相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲究焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘束于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉；而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这不是不无道理的。其三，动手对于绘画来讲是非常重要的，绘画就是手上的功夫，要大量的练习，重视写生。只有通过大量的练习提高眼力，熟悉工具和材料，去驾驭它，才能不被工具材料束缚。大量的练习积累才能达到绘画能力上的提高。

三、白描的重要作用

白描是学习中国画入门学科之一，也是人物画赋彩画法的基础。自北宋大画家李公麟使白描法由人物画的“粉本”中脱颖而出之后，白描在发展过程中一直是中国画技法序列中的一个重要组成部分。而时至今，白描法对于中国画的学习，更具有了使学习者掌握正确的观察方法、树立正确的造型观念、提高造型能力、理解和掌握中国画用线的组织和运用规律的重要意义。作为中国画的重要门类，白描从书法中吸收了很多营养。我国古代的画家把白描归纳为“十八描”，但从表现技法上来分无非就是两种，这就是工笔的线和写意的线。无论是工笔的线还是写意的线，都受到书法的影响，这种影响最显而易见的是体现在笔法上。白描的笔法从简单的意义上来说，就是指用笔方法。笔法对于白描有很重要的作用，南齐谢赫在《古画品录》中的“六法”的第二个就说到“骨法用笔”，五代画家荆浩在《笔法记》中提到作画的六要：“一曰气，二曰韵，三曰思，四曰景，五曰笔，六曰墨”；唐代张彦远《历代名画记》中指出：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归于用笔。”均很早就指出了用笔的重要性。中国画中完全用线条来表现物象的称“白描”。无论是花鸟还是人物,他们都是以线构成,借线的粗细、长短、曲直方圆、轻重缓急、虚实疏密、顿挫刚柔、浓淡干湿表现形体的质量感、体积感、动态感和空间感。它是在对自然物象深刻理解的基础上进行主观创造,从而达到抒情表意的目的,是神与物游、物我两忘的主客观结合的产物。故而,白描不仅可以独立存在,也是中国画的基础。白描“朴素简洁”“概括明确”,在构图上力求单纯,对虚实、疏密要偏重于对比较强烈的安排,层次要分明,线条的处理上带有装饰性、旋律性,具有极大的意象性和丰富的表现形式,具有独立的审美价值。

白描中国画技法名

白描中国画技法名 白描是中国画技法名，指单用墨色线条勾描形象而不施色彩的画法；白描也是文学表现手法之一，主要用朴素简炼的文字描摹形象，不重词藻修饰与渲染烘托。 白描简介 白描原是中国画的一种技法，指描绘人物和花卉时用墨线勾勒物象，不着颜色，称为“单线平涂”法。它源于古代的“白画”。 在文学创作上，“白描”作为一种表现方法，是指用最简练的笔墨，不加烘托，描画出鲜明生动的形象。我国优秀的古典小说《水浒》、《三国演义》等多用白描的手法；鲁迅的作品，也有许多使用白描手法的范例。 分类介绍 绘画 介绍

是中国画中完全用线条来表现物象的画法。有单勾和复勾两种。以线一次勾成为单勾，有用一色墨，亦有根据不同对象用浓淡两种墨勾成。复勾则光以淡墨勾成，再根据情况复勾部分或全部，其线并非依原路刻板复迭一次，其目的是为加重质感和浓淡变化，使物像更具神采。复勾线必须流畅自然，否则易呆板。物象之形、神、光、色、体积、质感等均以线条表现，难度很大。因取舍力求单纯，对虚实、疏密关系刻意对比，故而白描有朴素简洁、概括明确，不施色彩的特点。中国古代有许多白描大师，如吴道子、赵孟頫、顾恺之、李公麟等都取得了突出成就。白描多见于人物画和花鸟画。宋元间也有画家采用白描手法来描绘花鸟，如北宋仲仁，南宋扬无咎，元代赵孟坚，张守正等。 分类 （一）单勾：用同一墨色的线勾描整幅画的叫一色单勾。用浓淡不同墨色勾成的，如用淡墨勾花，浓墨勾叶叫浓淡单勾。要求线描准确流畅、生动、笔意连贯。 （二）复勾：先以浓墨全部勾好，再以浓墨对局部或全部进行勾勒叫复勾，多以加强所描物象的精神和质感。

历代白描名家 唐代吴道子的画作笔简神全，意气豪放。他的作品《送子天王图》为白描画、水墨画的出现和发展奠定了基础。李公麟（1049—1106），字伯时，舒州（今安徽舒城县）人，是宋代杰出的人物、鞍马、山水画家。 李公麟创作的“白描画”以人物画为主。 丁云鹏（1547～?）明代画家。字南羽，号圣华居士，安徽休宁人。卒年不详，天启五年（1625）尚在作《白马驭经图》，瓒子，詹景凤门人。书法钟、王。画善白描人物、山水、佛像，无不精妙。白描酷似李公麟，丝发之间而眉睫意态毕具，非笔端有神通者不能也。供奉内廷十余年。与董其昌、詹景凤诸人交游，故流传作品多有董其昌、陈继儒等人的题赞。董其昌赠以印章，曰毫生馆。其得意之作，尝一用之。万历八年（1580）作江南春扇，天启元年（1621）作伙溪渔隐图。仇英约1498年（一说约1509年）—1552 年在世，字实父，号十洲，汉族，江苏太仓人。后移居吴县。擅画人物，尤长仕女，既工设色，又善水墨、白描，能运用多种笔法表现不同对象，或圆转流美，或劲丽艳爽。偶作花

白描手法

用白描手法描写的语段 “白描”：以质朴的文字，抓住人物或事物的特征，寥寥几笔就勾勒出人物或事物形象的写法。 白描手法，不仅可以运用于小说的描写中，还可以运用于散文、诗词的创作中。使用这种手法刻画人物时，要求作者紧紧抓住人物所处的特定环境及人物的个性、经历、言行的突出之点，用简洁的语言进行描写，以表现人物的个性特征。在作品中，作者有时用白描勾勒人物肖像，如峻青的《黎明的河边》，对年轻战士小陈的肖像作了如下的描写：“他长得很矮，看样子顶多也不过十八岁。圆的脸，大眼睛，下巴上有一道细长的疤痕，显然是子弹掠过时留下的纪念。”作者将战士小陈的体态特征与战斗中留下的伤痕联结起来描写，以突出表现他的勇敢精神。这灰白描的人物肖像，在鲁迅小说中比比皆是，如对阿Q、祥林嫂、闰土等的描述。不仅如此，有时还有白描叙述人物的身世，如鲁迅在《孔乙己》中，对孔乙己身世的介绍：“孔乙己原来也读过书，但终于没有进学，又不会营生；于是愈过愈穷，弄到将要讨饭了。幸而写得一笔好字，便替人家抄抄书，换一碗饭吃。可惜他又有一样坏脾气，便是好喝懒做。”作者抓住他“没有进学”、“不会营生”、“好喝懒做”的性格特点，来揭示封建科举制度对他的毒害所造成的悲惨遭遇。有时，还可用白描手法描述人物对话与行动细节，以表现人物性格。如《三国演义》“曹操煮酒论英雄”这一回中，写曹操担心日后刘备可能成为与他争夺天下的劲敌故意在饮酒之际对刘进行试探，问他谁是当世英雄？刘备此时正寄居曹操处，深怕曹操识破他夺取天下的雄心，对曹所问，故施韬晦之计，先是推托不知，继而是“王顾左右而言他”，但当曹操指明：“今天下英雄，惟使君与操耳。”他闻言吃了一惊，将手中匙箸，掉落于地。“时正值天雨将至、雷声大作。玄德乃从容俯首拾箸曰：‘一震之威，乃至于此。’”巧妙地借雷声惊心将闻言失箸的缘故，轻轻掩饰过去，表现了刘备善于应变的性格。文学表现手法之一。主要用朴素简炼的文字描摹形象，不重词藻修饰与渲染烘托。在小说中的白描是抓住所描写的人物或事物最主要的特征，用简练的笔墨描绘形象的手法 用白描手法描写的语段 用白描手法，可使人物描写更富神韵。 1、在外貌描写中，运用白描手法，能洞穿人物骨髓，由貌触及本质、灵魂。 看鲁迅先生在短篇小说《孔乙己》中的一句白描： “孔乙己是站着喝酒而穿长衫的唯一的人”。虽然就朴朴实实的一句，但其内涵却极其丰富。它把孔乙己的身份、社会地位以及性格一针见血的展现了出来。站着喝酒，是短衣帮的人，他们的生活贫困，而生活穷愁潦倒的孔乙己只得和他们为伍，已经挤不进长衫客的房间了。然而，他又不肯脱掉长衫，仍要维持那读书人的架子，以显示他在精神上还是比短衣帮略高一筹，足见他的迂腐和虚荣心。孔乙己这种拮据的经济状况和迂腐的精神生活之间难以调和的矛盾，使他成了咸亨酒店唯一的上不接天，下不着地的特殊人物。 2、在语言描写中，运用白描手法，能传神表达人物内心，展现情操品质。

绘画技巧：结构素描表现方法

绘画技巧：结构素描表现方法 我们研究结构素描不是目的，仅仅一种手段，结构素描不是将物 象都画成几何形的堆砌，我们通过结构分析，是为了更清楚理解对象，做到心中有数，以便更好的去表现对象，作为学设计的人，重要的还 是表现物体、理解物体，而对结构形体的理解与表现，能够协助我们 完美的完成设计构思。 结构素描以线为主，准确、有力、优美的线条，能够让画面充满 生命力，丰富人们的视觉效果，那么线条是如何处理的呢？ 抓大感觉 我们绝大部分是画几何体和静物，这些物体较为简单，外轮廓大 多以长直线为主。抓住物体的整体感觉，再用长直线去体现物体的长 宽比例，大小比例和前后关系等，使画面整体。 找点 我们通常叫做“抓两头、带中间”，因为点一般都处在始端与末端，点如果找的准确，形体也就抓住了，再这里，点包含的因素是： 形体转折开始的地方与形体转折结束的地方。如：球体，球体当中， 有无数个转折，也有无数的点，那么如何找到点呢？我们只能根据物 体的转折点与最低的转折点来找，这样画球体就简单了，如果我们能 准确理解点的位置，再复杂的物体都变的简单了。 线条穿插 在基本点找到之后，便是用线条连接各点，使形体明确起来，我 们所说的线条不是死板的线条。而是相互穿插，有出来的地方，也有 回去的地方。也就是我们常说的“来龙去脉”，线条的穿插，必须符 合其形体结构的规律，否则就容易产生该后面去的翻到前面来了，该 前面去的却翻到后面去了。形成这种透视关系的原因，不是因为前面

的没强调，后面的没虚，而是线条穿插不对，所以要分清线条的前后关系、虚实关系和空间关系。 线条表现 线条是结构素描中最主要的艺术语言和表达方式，无论在塑造形体、表现体积和空间方面，还是表达情感方面，都显得十分明确。富有表现力和概括力。在开始学习时，首先要增强线条的熟练水准，要做大量的线条练习。提升线条质量，也就是说达到熟能生巧，“巧”线条才有质量，线条的质量是肯定有力轻松自如有松有紧，有虚有实有粗有细有深有浅，随着形体的变化而变化。作到变化中整体，整体中变化。这样我们的线条才富有生命力和动感。

色彩在绘画中的作用

色彩在绘画中的作用 色彩是绘画的重要艺术语言，也是一种重要的表现手段和必要的条件之一。在绘画中色彩起着独特的作用。它对塑造人物、描绘景物，可以起到引人入胜、增强作品艺术效果的作用。巧妙地运用色彩，能使美术作品增加光彩，给人的印象更强烈、更深刻，塑造的艺术形象，能够更真实、更准确和更鲜明地表现生活和反映现实，因而也就更富有吸引力和艺术感染力。我们经常看到，有的绘画作品，虽然构图一般，但由于色彩处理得恰当，还是能吸引观众。与此相反，有的作品，如果在构图、素描、透视、解剖等方面都具有一定水平，但在色彩处理和运用上存在问题，这幅作品就逊色了。 一张描绘工人形象的油画肖像画，形体结构和神态表现都很好，但是色彩很脏、很灰暗，或者是很“火”气，就不仅破坏了形和神，还可能在客观上造成丑化工人形象的不良效果。肖像画是这样，风景画和主题性创作也是这样。一幅主题是需要表现欢乐、热烈气氛的画，而作者使用了灰色调或冷色调，则不论在其它方面表现技巧多好，它的艺术效果还是未能达到。这是因为色彩在人们视觉上是有其独特作用的。而色彩在使用上又往往是感性多于理性，因而它在画面上最富有感情效果。它对于深入刻画形象、抒发情感、烘托气氛，准确、鲜明、生动地表现生活，这种独特作用，是其它绘画语言所替代不了的。一般从事绘画工作的人，对色彩都是十分重视的。 作为绘画语言，色彩是重要的造型因素，但它不是第一位的，只有素描才是第一位的。也就是说，我们要重视色彩，但反对色彩第一论与唯色彩论。把绘画中的色彩看成是第一的与唯一的因素，只看运用色彩的技术，这是片面的、也是不正确的。因为作为造型艺术的绘画语言，素描是解决形体结构这一最基本问题的，没有形也就没有造型艺术了。而色彩是依附于形的，不依附于形的一堆色彩是不能正确描绘对象的。我们在绘画训练中，不仅要处理好色与形的关系，更要处理好色彩与主题内容的关系。即色彩的运用必须服从于主题思想，才能达到以形写神，以色写神，使形、色、神浑然一体，以达到内容与形式的完美统一。

浅谈素描在油画创作中的作用

浅谈素描在油画创作中的作用 摘要：素描与油画创作作为独立的艺术形式与时代同呼吸共命运，呈现出多元化的格局。在油画的创作过程中，素描具有重要的作用。关键词：素描油画创作作用 素描是一种单色的绘画形式，是培养造型能力的基础，它既是为美术创作搜集素材、表现构思的一种手段，又是具有独特审美价值的画种。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作，无一不是反映了大师的思想及独特的看法。文艺复兴时期，艺术大师米开朗基罗·博那罗蒂说“素描是一切造型艺术的基础”，由此可见素描的重要地位。素描是所有从事绘画专业的首要必修课。无论你学习的是国画、油画、版画还是雕塑，无论你是学习当代艺术还是古典艺术，首先都要进行系统的素描学习。作为造型艺术的基础，对于认识和理解客观对象，培养正确的观察方法和表现方法，锤炼艺术语言和探索艺术规律以及提高艺术素养和造型能力，都有十分重要的意义和作用。 素描在油画创作中具有很重要的作用。油画，不是单纯意义上用油色画的画。油画创作离不开素描，其色彩的变化蕴涵着素描层次的变化和虚实变化。对油画家来说，掌握油画自然变化的规律和技巧，能够准确、鲜明、生动自然地描绘对象的特征，这就需要有扎实的素描基础，才能表达出心灵的感受。 素描对油画创作具有十分重要的作用。在笔者的油画创作中，频频出现困难：画到一半没办法深入下去；想的和画的完全是两种感觉，达不到自己想要的效果；颜色容易画粉、画脏，其实这些都是素描中的问题。素描是油画的基础，一张好的油画肯定要有好的素描基础做基石。素描因素包括造型结构、体积、明暗关系等，色彩包括色相、明度、纯度、冷暖等。我们画素描时要追求立体、块面，把物体放入空间中去研究，这就是为了要准确地研究物体的结构、体积，为油画的创作打好基础。因为油画就是要用一块块的颜色来表现物体的结构与体积，同时只有在严格的素描训练的前提下，熟练地掌握了物体的结构，在画油画时才会画出生动的、准确的物体结构、动态。另外很重要的一点，在素描中掌握好色调分布及运用对油画创作也有很大的帮助，也就是素描中的黑白灰关系。在某种意义上讲，素描的黑、白、灰也就是色彩中的明度的层次。正确的色调的把握为油画中各个色块的分布及明暗色块的对比提供了正确参照，不会因为追求颜色的搭配而忽略了物体是处于空间中的，也不会减弱它的光感。而且在画油画时，画面的空间立体感不仅仅只是靠素描关系来呈现，色彩冷暖的变化也可以增强画面的空间感。 线条是素描艺术的基础，通过对线的使用，画家可以描绘出自己心中的物体形象，也能够对自身的思维方式、精神风格及想象力等做出更好的展现。在借鉴油画作品的过程中可以发现，古今中外许多著名画家在油画艺术的创作中都十分重视对素描线条的应用，油画创作中的线条反映着作者对客观物象整体形象的把握与理解，因此，素描线条是油画艺术中具有较强表现力的因素。另外，在油画的创作中，画家可以使用线条来对物象的整体性、形体及构图等做出展现，并利用线条来勾勒出形体所具有的基本形态，从而完成油画创作的起稿。由于油画创作中的物象轮廓直接影响着画面的空间性与转折性，所以是否恰当运用线条，直接决定着油画作品是否具备较强的感染力与表现力，也决定着画家的思想是否能够顺利传达。虽然客观的事物本身没有线，这些线只是油画家想象与创造出来的，但也正是这种抽象想象的存在，才确保了油画艺术更具真实感和神韵，更能体现作者情感。所以线条是油画艺术创作中被画家群体广泛运用的创作手法和表现手段，只有认识到线条具有的性质、组成及

白描花卉勾线技法教案

白描花卉勾线技法教案 一、工笔花鸟画白描线条的要求 勾线在工笔花鸟画中是很重要的一步。运用毛笔勾线，对线条有很严格的要求。白描勾勒不是用细线沿着花叶轮廓去“描”，而是用书法中讲究的用笔法“写”出形象。工笔白描不只是讲究工细，更重要的是追求线条的力感、快感，所谓“工细兼力”反对纤细柔软的线条。勾线之初，先练习使用中锋，避免侧锋，走在线条一侧的即为侧锋。中锋线条圆润浑厚，饱满而富于弹性，结实而有力感；侧锋勾划出来的线条是扁平的易出飞白。花卉中的花瓣，叶片都是薄片状的，宜用中锋勾勒，侧锋只有在皱擦树石时才宜运用。开始练习勾勒时，很容易出现侧锋，特别在线条转弯的地方，因为毛笔虽然是圆锥形的，但是当拉开线条以后，笔锋即成为一刀锋，转弯时必须提笔，，并轻转笔管扭转方向，象写篆书一样，使笔锋平行圆转过来，才能保持中锋；如果转弯时笔尖不提，发压着纸面硬拐，这时笔毛便产生折叠，象写隶书一样，出现折笔，在画面上即表现为侧锋。 线条产生力感的关键在笔锋与纸面的摩擦。有的人勾线为了细，不敢用力，勾出的线条是浮滑在纸面上的，是不符合要求的。 勾线时要把笔按下去，使笔锋对纸面有一个压力，同时又要遮住毛笔，向上有一个提力，两力平衡再用力一个拖的力量行笔。只压不提就是“抹”，容易出现侧锋败笔，只提不压就是“飘”，线条滑而无力，用线切忌“撩”、“挑”、“滑”。 为了使笔锋与纸面产生摩擦，勾每一条线都必须有起笔、行笔、收笔三个动作： 1、起笔藏锋：如起笔欲向右行，先向左藏锋顿笔，然后再向右行，这叫与右先左，反之，则欲左先右。 2、行笔：行笔要稳，速度要慢，对纸面压力要均匀。 3、收笔回锋：每逢收笔都须向来的方向收回，所谓“天往不回”、“天垂不缩”，使线的结尾含蓄有力。以上讲的都是锻炼勾线的力感和快感，同时还要注意练习各种笔墨变化：如中锋与侧锋、顺锋与逆锋，以及顿挫、转折、连断、粗细、方圆、疾徐、光毛、虚实等用笔的变化，再加上浓淡、干湿等墨色的变化，达到白描用线在形式美感方面的要求。 二、白描线条与花卉形象的结合 1、勾线起笔顺序 为不蹭脏画面，一般白描勾勒大致要从上到下，从左到右顺序勾下来。 2、如何表现结构之前后关系 当两条线相遇，一线在前压住另一条线，即为前压后。 3、边缘线与折面线的处理 花叶的轮廓线大致可分为两类不同的线条：一种是叶片和花瓣转折时产生的折面线和花叶的主筋。另一种是叶片、花瓣的边缘线要用顿挫、起伏、有粗细、连断等多种变化的笔触，以表现花叶曲折丰富的变化。这两种线条既有对比，又要统一，既表现了花叶转折变化的多姿，又要有线条本身的节奏和韵律 4、线条的浓密粗细 白描花卉不用色彩，只靠用笔墨的变化表现花卉的质感。做画时一般用淡墨和较细的线勾花瓣，以重墨和较粗的线，勾叶、茎、花萼等。花丝用中或淡墨，花药则用最焦浓的墨。色彩深及厚硬的地方用线粗重、方硬，色彩浅及薄嫩的地方用线轻细圆柔。 5、白描花头的用笔及注意事项 （1）牡丹、梅花、山茶的花瓣一般从花瓣基部起笔。荷花、菊花、百合等花瓣可从尖端起笔。玉兰、月季等花瓣厚硬，勾线应挺拔有力；牡丹芍药等花瓣勾线可用细线颤笔，用笔潇洒些。 （2）花头外轮廓要有参差、圆缺之变化。 （3）花筋的处理：花筋不明显的不勾花筋，如梅花、海棠等。花筋明显的必须勾好，如辛夷、牡丹、杜鹃等。

中国白描发展史资料讲解

中国白描发展史

线描是绘画的基本要素之一。线描的起源可以追溯到人类文明的早期，例如原始岩画、彩陶纹样、古代瓶画、壁画、帛画等。 传统中国画的线描称为白描或白画，特指用毛笔墨线勾勒物象、不着色彩或略施淡墨的画法，多用于人物、花鸟。这种纯粹的毛笔墨线画法，是传统中国画笔墨造型的骨干，用笔与书法相通，“运墨而五色具”（张彦远），富于传神写意的表现力、单纯空灵的抽象美和黑白交响的韵律感，堪称中国美术独特的创造。大约在东晋刘宋时代，已有独立的山水画。这时期已有为数不少的善画花鸟的画家出现，也有独幅作品的记载六朝：勾线渐趋成熟与凹凸法之出现三国两晋南北朝是绘画技法发展中的重要阶段。涌现出一大批具有高度文化修养的知名画家，画史上第一批为后世崇奉的百代宗师和第一批有摹本流传的巨迹都产生于这一时期，并产生了第一批论画名著。在中国美术史上，顾恺之、曹仲达、吴道子、武宗元、李公麟、梁楷、赵孟坚、王绎、张渥、陈洪绶、任伯年诸家都擅长白描，其中北齐曹仲达的“曹衣出水”（密体）、盛唐吴道子的“吴带当风”（疏体）笔法最负盛名。历代名家传世的白描作品，包括寺观壁画粉本和木刻版画插图，至今仍是初学线描者临摹的模板。明清时期的绘画启蒙读物，把历代白描人物衣纹概括为高古游丝描、铁线描、行云流水描、钉头鼠尾描、折芦描、柳叶描等十八种描法（有人又归纳为铁线描、兰叶描、减笔描三类），坊间还刻印了不少白描花卉图谱。这些从自然生活和书画实践中提炼出来的线描程序，形成了传统中国画线条造型的规范，标志着中国画线描技法的高度成熟，但也束缚了中国画线描艺术的进一步发展。正如现代中国美学家宗白华所说：“中国的素描——线描与水墨——本为唐宋绘画的伟大创造，光彩灿烂，照耀百世，然宋元以后逐渐流为僵化的定型。绘艺衰落，自不待言。” 工笔白描就是完全用墨的线条来描绘对象，不涂颜色。白描本来大抵是用来打草稿的，宋代画家李公麟把它发展成独立的画种，他的白描如行云流水，变化无穷丰富，有很强的表现力。他画的《五马图》，人和马都用单线勾出，比例准确，肌肉骨骼的结构清楚，甚至马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来，动态极为生动，是古代第一流的白描作品。 中国绘画的最早遗迹，可以上溯到远古时代的岩画和新石器时代的彩陶装饰纹样。新石器时代的陶器彩绘是以天然矿物质在陶坯上描绘后入窑烧制，在橙红色的胎地上呈现出赭红、黑、白等诸种颜色的美丽图案，形成纹样与器物造型的高度统一，达到美化装饰效果。商周战国及春秋时期绘画已有相当的进步。除壁画的流行外，这时绘画技巧的发展也可从青铜器及玉器的装饰纹样、战国漆画上看出已达到相当水平。特别是湖南长沙战国楚墓中出土的帛画成为这一时期绘画技法发展的杰出代表。此时绘画已逐渐脱离附属于工艺美术品的装饰

国画校本教材

工笔画创作 小组活动记录 （2017——2018）第一节：中国画的分类

教学内容：中国画的分类 教学目的：通过中国画分类概况的讲授，使学生能初步的了解中国画的基本分类。了解中国画中各个画种的不同表现形式和基本表现方法 教学方法：讲授、观摩。 教学重点难点分析：本课教学对象为三年级学生、教学重点在于了解中国画的分类，及中国画中各个画种的不同表现形式和基本表现方法。教学方式采用逐步培养学生的审美意识领会能力，掌握中国画各个画种的不同表现形式和基本表现特点。 教学过程： 一、中国画的定义： 中国画：又称“国画”，我国传统的绘画（区别于…西洋画?）。它是用毛笔、墨和中国画颜料在特制地宣纸或绢上作画，题材主要有人物、山水、花鸟，技法可分工笔和写意两种，富于传统特色。 二、中国画的技法： 1、写意：中国画传统的画法之一，相“工笔画”而言，用豪放、简练、洒落的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。写意画在表现对象上是运用概括、夸张的手法，丰富的联想，用笔虽简但意境繁邃，具有一定的表现力。它要有高度概括的能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔随。 2、工笔画：中国画传统画法之一。画法比较工整严谨，以描绘被画对象的准确形象为准则。相对于“写意画”。（以描绘被画对象的大意为原则）而言。总的来讲，工笔画用笔工整细致，敷色层层渲染，细节刚彻入微要用极细腻的笔触描绘物象，故称“工笔” 三、欣赏： 出示国画名家的作品视频，引导学生进行分析。 设计意图：拓展学生的思维空间，开阔学生的眼界，提高学生的审美认知水平。四、拓展： 出示优秀的学生作品，让学生小组讨论分析优点和不足，提出自己的见解。五、小结： 第二节：中国画的用具（一）笔墨 教学目的：通过中国画工具材料的讲授，使学生了解工笔花鸟画工具的性能和使用方法。

美术绘画专业素描课程考试大纲

2016年江苏省中等职业学校学业水平考试 美术绘画专业《素描》课程考试大纲 一、命题指导思想 江苏省中等职业学校《素描》课程学业水平考试，遵照江苏省教育厅《关于建立江苏省中等职业学校学生学业水平测试制度的意见(试行)》(苏教职【2014】36号）、《关于印发<江苏省中等专业学校学生学业水平测试实施方案>的通知》（苏职教【2015】7号)要求，以《素描课程标准》为依据，以《素描》课程所要求的基础知识、基本技能、基本思想、基本方法为主要考查内容，注重考查学生对《素描》课程基本概念和基本方法的掌握情况，同时兼顾考查学生分析、解决问题的能力。 命题要力求科学、准确、公平、规范，试卷应有较高的信度、效度和必要的区分度。 二、考试内容及要求 （一）考试范围 本课程考试范围包括六个主要知识点，注重考查学生对《素描》课程基础知识和基本技能的掌握情况，适度考查学生分析和解决实际问题的能力，具体安排 （二）考核能力要求 1.了解（A）要求对某一概念、知识内容，能够准确再认、再现，即知道“是什么”。相应的行为动词：了解、认识、知道。 2.理解（B）要求对某一概念、知识内容，在了解基础上，能够深刻领会相关知识、原理、方法，并藉此解释、分析现象，辨明正误，即明白“为什么”。相应的行为动词：理解、熟悉、领会。 3.掌握（C）要求能够灵活运用相关原理、法则和方法，综合分析、解决实际问题，即清楚“怎么办”。相应的行为动词：掌握、应用、运用。

三、试卷结构

(二)难易题及比例 全卷试题难度分为容易题、中等难度题和较难题三个等级，容易题、中等难度题、较难题的占分比例约为7:2:1。 (三)内容比例 四、考试形式和时间 （一）考试形式 闭卷、机考 （二）考试时间 30分钟 （三）试卷满分值 50分 五、典型题示例 （一）单项选择题（共12小题，每小题2分，共24分。在每小题的4个备选答案中，选出1个正确的答案。） 1、铅笔上的字母和数字表示铅笔的软硬程度，下列选项中表示铅笔最硬的是（） A.6B B.6H C.HB D.2B 【解析】本题主要考查对素描工具、材料性能特点的了解。本题属于容易题。考试能力要求为A。 【答案】B 2、下列不属于明暗变化五调子的是（） A.亮色调 B.暗色调 C.明暗交界线 D.投影

《白描花卉》

《白描花卉》——临摹画 教学目的： 使学生通过白描花卉画的练习，提高描线的技巧，学习用不同的线条表现对象的质感、量感。培养学生热爱祖国传统艺术的感情。 教学重点： 使学生掌握运笔行线的方向、速度和力度，在顿挫、提按中画出流畅或凝重的线条，表现出所描绘的对象的质感和量感。 教学难点： 使学生掌握白描花卉的写线的方法、技巧,由于条件限制只能让学生用铅笔或者其他画笔代替毛笔。 教学教具： 花卉白描图稿 教学过程： 导入新课： 我们今天临摹一幅白描花卉，临摹前先讲一下什么是白描： 白描是中国画的一种技法名称（中国画：我国传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分工笔和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之

相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。） 学生活动：大家对国画有了了解，那么大家从书上可以找到几幅中国画欣赏一下。 教师板书课题：《白描花卉》——临摹画 1 讲解“白描”的含义： 就是用墨线勾描形象，不设颜色，是中国画的基本技法之一种。中国画中完全用线条来表现物象的画法。有单勾和复勾两种。以线一次勾成为单勾，有用一色墨，亦有根据不同对象用浓淡两种墨勾成。 中国古代有许多白描大师，如吴道子、赵孟頫、顾恺之、李公麟等都取得了突出成就。白描多见于人物画和花鸟画。 2、同时指出这节课主要是“临摹”，并讲解其含义： “临”——是照着原作描画。 “摹”——用薄纸蒙在原作上面描画。 3、教师小结临摹的意义：绘画的临摹主要是指对某一美术作品进行描绘。临摹是学习绘画技巧的一种方法，主要是学习前人的技法和经验。我国传统绘画的学习方法，就是从临摹入手，再逐步过渡到写生，即所谓“师古人”和“师造化”。在临摹中研究、分析、揣摩画家创作的意图和表现技巧。 4、教师出示本节课要临摹的白描画稿让学生欣赏，同时启发学生细心观看线条的变化。 教师讲解绘画方法： 1、构图：绘画时根据题材和主题思想的要求，把要表

中国画(白描)教案

《中国画——白描》（32课时） 教学内容：中国画——白描 教材分析: 白描技法是我国优秀的传统艺术，也是广大专业、业余人士十分喜爱的画种。通过本节课的学习，培养学生热爱祖国传统艺术的感情，激发学生学习白描的兴趣，提高学生线描的技巧，学会用不同的线条表现对象的质感和量感。教学目标: 1. 培养学生热爱祖国传统艺术的感情。 2. 提高学生描线的技巧。 教学重点：用毛笔线描的方法。 教学难点：用白描的方法表现人物、花鸟的技法，线条的不同运用。 教学内容： 第一课：白描基础知识与练习（4课时） 一、定义与分类。 1、定义：白描是中国画的一种，古代称之为”白画“，是中国画中用毛笔墨线勾画对象轮廓，有时也可渲染淡墨。 2、分类：白描有单勾和复勾两种。 单勾：以线一次勾成为单勾，有用一色墨，亦有根据不同对象用浓淡两种墨勾成。用同一墨色的线勾描整幅画的叫一色单勾。用浓淡不同墨色勾成的，如用淡墨勾花，浓墨勾叶叫浓淡单勾。要求线描准确流畅、生动、笔意连贯。

复勾：复勾则光以淡墨勾成，再根据情况复勾部分或全部，其线并非依原路刻板复迭一次，其目的是为加重质感和浓淡变化，以加强所描物象的精神，使物像更具神采。复勾线必须流畅自然，否则易呆板。 二、白描的特点： 物象的形、神、光、色、体积、质感等均以线条表现，难度很大。因取舍力求单纯，对虚实、疏密关系刻意对比，故而白描有朴素简洁、概括明确，不施色彩的特点。 三、白描的发展与代表画家和作品： 白描多见于人物画和花鸟画。宋元间也有画家采用白描手法来描绘花鸟，如北宋仲仁，南宋扬无咎，元代赵孟坚，张守正等。 白描最早是做为工笔画的底稿形式存在的，是中国画造型的基础。如我国最早的卷轴画《洛神赋图》、《女史箴图》，是东晋顾恺之的传世摹本，这两幅图中的线描已由过粗拙简单发展到圆润挺秀的笔法，这种“青云浮空”、“流水行地”般的紧劲连绵的线条被誉为“春蚕吐丝”。唐代吴道子的画作笔简神全，意气豪放。他的作品《送子天王图》为白描画、水墨画的出现和发展奠定了基础。 白描发展成为独立的绘画创作形式始于宋代，各代均有杰出代表。 李公麟（1049—1106），字伯时，舒州（今安徽舒城县）人，是宋代杰出的人物、鞍马、山水画家。更是把线描提高到一个新的水平，其传世的白描作品有《维摩诘演教图》、《五马图》等。此外，还有宋代武宗元的《八十七神仙图》、元代张渥的《九歌图》、明代陈洪绶的《西厢记-窥简》、《屈子行吟图》、《水浒叶子》、清代任伯年的《三友图》等等，都是难得的白描杰作。

立方体结构明暗素描绘画步骤

石膏立方体素描教程原图的要求： 1、必须看到立方体的三个面，三个面大小要有区别，这是比较理想的角度，能很好的表现立方体形体特征。 2、单侧光源照射，使得三个面呈现黑（背光面）白（受光面）灰（测光面）有明显色调差异的三个面，这样不仅一目了然的认识三大面，而且在用调子塑造三个面的时候清晰简单。 3、衬布的色调应该区别于立方体三个面的色调，免得冲突，其次衬布摆放要有平面和立面的关系，这样使得画面有空间感，再次，衬布的布纹尽量简洁一些，不然就会显得碎。 石膏立方体素描教程步骤一：经营位置，模糊定形。面对一张白纸，如何把物体画在最恰当的位置必须先得有一个模糊的定位，类似于草图。构图的原则遵循“天薄地厚，左右均衡”。通过整体的观察方法，用4B的铅笔轻轻地把物体的上下左右及大体的形状画出来，可能不准确，不过没有关系，这一步为下一步提供的参照。

石膏立方体素描教程步骤二：认真观察，精确定线。根据人的视觉习惯，视线很容易抓住竖直的线条，其次是接近水平的线条，再次是空间倾斜的线条。所以先把立方体的三条竖线画出来，先画左右两边，再通过观察加比较的方法确定中间的线条，一定要注意三条竖线的透视，竖线透视问题很明显，但是很容易被忽略，很多教科书在此问题上都存在问题，如果你认识观察的话，竖线的透视是最明显的。方法：侧锋用笔，小指轻抵画质，手腕固定，用整个胳膊的力量来回的画，保持线条粗细大小基本一致。

石膏立方体素描教程步骤三：用理性观察方法，先确定接近水平的线条，用视线假设该线条下方有一条水平线，这样就知道了这条线的倾斜度，还可以手执铅笔进行比较，先确定中间这条，在画出另外两条，一定要注意这三条线的透视关系，在画这三条线的同时，可以相应的把最后三条线也画出来，这样相互之间就能进行比较，直到形体最终确定。 石膏立方体素描教程步骤四：为了使得形体更加严谨，我们可以用透析想象的观察方法把我们看不到的那一面的三条线条画出来，一定要注意，一般而言，作为结构素描，把看不到的结构表现出来是结构素描的表现形式，但是要注意看不到的这三条线不是为了证明你画的是结构素描而画的，而是用这三条线衡量其他的线条，使其成为一个整体，最终的目的是形体更加严谨，这才是这三条线存在的意义。另外，画这三条线的时候，尽量轻一些。

浅析素描训练的重要意义

浅析素描训练的重要意义 【摘要】每一个绘画的人对于素描都是十分熟悉的，我们众所周知，任何一门绘画或者其他艺术都离不开素描这门基础学科，那么他究竟有多么的重要，又或者说素描的意义是什么，本文将会进行一定的探究。素描是通过单色的色调来将二维世界的物象变化成三维空间看现在人们的眼前，这就少不了在素描绘画的过程中掌握造型能力和不可或缺的色调控制能力。 【关键词】素描；造型；色调 喜欢或者掌握一定绘画能力的人都知道素描在艺术领域是一个基础不可撼动的地位不论你是学习艺术设计，还是从事绘画包括国画油画漆画等，乃至摄影等等。都必须要经过一次基础而又扎实素描训练，那么素描训练真的有如此重要的地位和必要练习的准备吗？首先在绘画中，型是一切，包括它的结构，转折都是需要经过大量的练习才能掌握的，这一点上就离不开素描的训练，通过造型，用线条或者明暗的方式来表现出物体的型，其次就是体积，其实体积在某种程度上是包括在造型的范畴之内的，因为通过素描练练习我们就知道了没有平白无故出现的黑白灰，正是因为有了体积，有了转折，有了光线，才有了黑白灰，有了色调的层次和大关系。这些经验都是在我们的绘画训练中慢慢积累起来的。我们从一个不会画画的人，到绘画能力娴熟是需要一个过程和时间的，这便是一个阶段。然后再到慢慢形成自己的绘画风格又是一个阶段，这个阶段是需要时间慢慢形成的，其实这就是素描训练的初衷和目的。在任何绘画中，都包括型和体积概念，绘画是在一个平面上塑造形体来表现的，那么就需要经过严格的技术训练来达到目的，这种训练就是素描。 素描正是基础绘画的训练最好的手段和途径，他可以使得一个不会画画的人先掌握一个正确的观察方法，即对光源的判断，物体造型的关系，以及黑白灰的色阶关系。然后使他学会了如何去塑造形体如何去表现空间，这就是素描训练的一个重要的要义。当我们具备了这种能力的时候，我们就应该考虑如何将素描与艺术创作紧密的联合在一起了。因为画面的客观物体不会永远的停留，这就是需要一个素描能力突出的画家通过对物象形体的理解通过自己的想象表现出来，而且在绘画创作中主体人物越多，色阶就越丰富关系就越复杂，造型的压力就越大，只有有一个扎实的素描基础才能为我们今后的艺术创作提供一个可实现的平台。 造型就是通过某种手段将客观的物体的形表现出来，这边就是造型的意义。但是很多的初学者无法做到这一点，这是因为画笔在自己的手中无法通过自己的意识来控制它们的。形体是立体的，是存在于三维的空间中的，它触得到，摸得着，有质感，这就是实实在在存在的物体，可我们如果要将这三维的物体通过画笔在二维的纸面上表现出来的话，的确是需要一定绘画能力的。这就需要素描的练习，形体之内的就是结构，通过大量的练习使得我们知道了结构的走向，结构的穿插，以及结构的透视，当我们掌握以上这些能力时，造型的能力就已经有了显著的提高。举一个很简单的例子，为什么我们在刚开始学习绘画的时候要不断地练习石膏几何体？首先是石膏是白色的，没有其他复杂的固有色，这是有利于

浅谈中国画——白描

1中国画 “白描”中国画中有一种作为绘画基础全部用线来表现物体对象的形式，我们称之为“白描”。无论是写意方向的花鸟、人物，还是书法等艺术， 他们的绘画形式大都是以线为基础,借线的不同技法来表现物体对象的形式感，因为是绘画的基础，所以，白描这种绘画形式是中国画中不可或缺的重要部分。有句古话说的好，“外师造化，终得心源”，而白描正是通过对外在物象的深刻理解与娴熟的技术技巧二者基础之上进行主观再创造,从而达到“天人合一” 式的情与景的深刻交融，并将自己真挚的情感通过这种形式流露出来。白描不仅可以作为独立绘画形式存在于画坛,也可作为中国画的基础而出现。白描“素朴而又不缺少内涵”,其构成构图追求简单朴实,对画面的层次要求比较严谨要主次分明,线条更是讲究力度的大小以及墨色干湿浓淡清,画面表现出来了独特的象征性,极具审美价值。 2白描的写意性 白描，是中国传统绘画的一个重要门类之一,不论疏密体材,都代表着中国画的一个共同特点,便是绘画的写意性。中国画中的“线”，绝非直观看到的单一的“轮廓线”，用笔之时的流动变化，蕴藏了丰富的精神内涵， 代表着某种精神诉求，线条传达出更多的人文内涵，显示了意蕴不凡的深 刻含义。所以，中国画的线不仅在表现方面展示出了形面与体积，还释放出了盎然的生命力，反应了人的精神面貌和文化修养的。这就说明了中国画一定是先从写实开始一步步转向写意。 从古至今， 可以说中国画讲究的是“妙在似与不似之间” 。之所以说“似与不似”，是因为中国画以独具特色的绘画理论,表现出不受时空约束又具概括性的主观情感抒发。 它不求得形似,但足以表现出真挚的情感、深刻的内涵、高雅情趣,强调了人文修养与至高无上的精神。白描,不论疏密体材,它都不是再现艺术,而是一种心灵上感悟的抒发,与西洋绘画有着较大差异，无论表现形式还是技法章程,西洋绘画都是力求最后的效果是具象的,中国绘画追求的则是意象的,所以说中国画白描具有写意性。 3白描的书法性 白描,用笔很是关键,近乎书法。“书画同源”所说的“书”与“画”就是讲究这样的“同源”准则,也就是白描的另一个特点———书法性。中国传统艺术白描与博大精深的书法一样,传承中国古老而又独特的绘画形式,在继承与发展中慢慢形成代表我国特色的艺术形式,。众所周知，中国画和书法创作都是使用笔、墨、纸、砚等传统工具,所以笔墨线条审美趋向所是略同,可以说使得中国画与书法之间有着异曲同工之妙处。 书法很讲究气势、韵律,谢赫“六法”中谈到“气韵生动，骨法用笔”，看得出来中国画讲究的绝非直观具象的艺术，是世界艺术派别中真正的 “抽象派”艺术，白描恰好运用了书法这种抽象技法从而创造出了气韵长虹、不同凡响的优秀绘画作品。书法语言符号的表现，恰好给白描提供了表达技巧,中国画如果不是书法用笔,或许中国画便失去了内在精神。真可谓书法对中国画的影响是巨大的不可忽视的，每一位大家对书法的领悟便可直接影响着绘画的创作,书法章程才正是画家们创作中国画运用笔法的基础性教材。故,白描与书法之间是相互贯通的,白描自身就有书法的特性， 作者简介：李悦（1994-），女，汉族，河北承德人，硕士研究生，四川理工学院，研究方向： 美术中国画。浅谈中国画———白描 李悦 （四川理工学院， 四川自贡643000）摘要：中国有着五千年的悠久历史，灿烂的文化艺术中极具古典传统色彩的中国画形式各样，有一种作为绘画基础全部用线来表现 物体对象的形式，我们称之为“白描”。它是中国画中不可或缺的重要部分,作为绘画基础，同时代表着中国画的共同特点,无论写意方向的花鸟、人物，还是书法它们的用笔之间都是融会贯通的。所以通常讲白描在章法技巧上的要求很高,在用笔上更讲究力度的变化、线条的流畅、墨色的浓淡。关键词：中国画；传统；白描；书法；写意画中图分类号：J222文献标识码：A 文章编号：1671-1602（2018）11-0049-01 CULTURE AND DESI GN -49-

国画基础 白描基础技巧

【导语】白描用笔方法：用笔是学画白描的基础，用笔方法不同，勾出的线描效果也不同。它指的是如何运用笔锋以勾勒出切合画面需要的各类线条。 白描用笔具体包括以下两个方面：执笔和运笔。 一、执笔：工笔画的勾线，都是中锋用笔，所以执笔的姿势很重要。中锋的关键，执笔要正。执笔的方法，是以拇指外推，中指食指向里勾，夹住笔杆，无名指并拢中指，以指甲根部贴紧笔杆，小指紧靠无名指。要点在于保持垂直、稳当，使之转运灵便。所谓的“指实掌虚”“死笔挫腕”，即是指着力于指，稳抓笔杆，不动不摇；在抓紧笔杆的情形下，掌心要空，以保证运行灵便。在行笔中不管线的长短变化如何，笔杆都不能推移转动，要稳定；腕伏纸面，手掌昂起，保持稳定。使白描线条均匀连贯，逐渐变化，流畅自然。

二、运笔：工笔画的运笔，主要表现在笔锋上。因为工笔画以线造型，而线的产生，全由锋出，所以对笔锋的认识和掌握十分重要。 工笔用锋可分为中锋（正锋）和偏锋（侧锋）二种。主要是申锋，偏锋只用于勾皴某些表面变化较大的物象，如树干、岩石类的。 中锋要求笔杆执正，锋毫垂直落纸，行笔时锋在线条正中，这样勾出的线条，边缘整齐光润，圆浑深沉。这种笔法宜于表现花、叶。侧锋时笔杆稍倾，笔毫横侧，运行时笔锋在线的一边，线条硬朗多变。这种笔法多用于表现树木等坚硬的物品。为使勾出的线条优美有神韵，在笔道的起止运行之中，要进行藏锋、收锋，以具有顿挫、轻重、迟速的变化。 藏锋与收锋，是指勾线的起止方式。“藏”指起笔时将笔锋转折，使它藏在即将运行的笔画里边，使尖芒内藏。“收”是在勾完一根线时将笔锋回转到线条之中再提起；实行藏露法，目的是使线条连贯沉稳。 顿挫是指笔能在运行转折当中的提按停顿。在笔道运行当中忽然下按停住，随即就势提起转下，继续运行。每遇转折处均要停按；以收回笔锋，恢复垂直状态，丰富了线的形象。 轻重是指笔道运行的力度。略提为轻，稍按便重，以求得虚实刚柔的变化。 迟速是指行笔的快慢。快则线条流畅，慢则滞涩，有快有慢，产生节奏美。

素描教学在基础教学中的重要意义(一)

素描教学在基础教学中的重要意义(一) 摘要：今天的造型艺术，以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛，令我们的视觉神经得不到片刻的休息。绘画、摄影、多媒体、电影、建筑、雕塑、装置、服装、表演、行为艺术等使造型艺术世界不断扩大蔓延，甚至无法定义。 西方在文艺复兴以后至19世纪中期，其艺术形式就不断地翻新。尤其是出现印象派之后，立体主义、野兽主义、抽象主义、达达主义、表现主义、超现实主义……直至今天的后现代艺术。其多元的形式令我们目不暇接惊愕不解。对于我们来说，由于生活的环境及历史的原因，有可能不理解或不喜欢那样的一种存在，但是没有理由不去了解这种存在的原因。 艺术永远是社会现实的反映。不可否认西方艺术的发展离不开那里的政治、经济、科技、文化与历史，我们这个时代的艺术就是我们这个时代精神观念的反映，有什么样的思想观念就会产生什么样的艺术形式。所以，观念的转变是最重要的！ 中国已进入了现代社会，虽然发展缓慢，人们的封建意识依然存有，但终究是回不到1840年以前了。改革开放的过程就是思想观念转变的过程，而艺术教育是该走在时代的前沿，因为艺术具有其前瞻性，我们的艺术教育怎能脱离这样一个时代？素描教学的观念作为艺术教育的基础，怎样与时代发展相适应？这是我们的教育者应该思考的问题。 一.素描表现形式的多样性是时代精神的体现 素描的多样性是在现代社会趋于多元化的观念下形成的。过去的古典艺术，一个时期或一个地域的风格样式基本接近，越成熟的艺术越具有程式化的特点。如：古埃及、古印度以及中国的传统艺术都有一套完整的技术程序和固定的风格样式。其风格样式的兴衰变化大多是由政权的更迭、朝代的兴衰决定的。 我们从艺术史的角度来看，古典艺术是在封建制度下形成的，艺术家是为皇帝或上帝服务的，那时的艺术家一定有宗教情感，几代人为表达一种情感锤炼一种样式，虔诚得并不认为自己所做就是艺术。而进入资本主义时代，文艺复兴以来，人文主义精神得到广泛传播。人对客观世界及对人自身的不断认识，人，作为生命的主体得到了应有的尊重。艺术家发现了潜藏在生命里自由的欲望以及发现与创造的欢乐，造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了，要求艺术和科学并列，造型艺术和音乐、文学是同样崇高的艺术形式。进入现代社会，艺术家要通过艺术表现自我，艺术的精神在于创造，而当“人人都是艺术家”的口号进入我们的生活时，当代西方艺术形式的丰富让长期饱受封建意识压抑的人们就不能完全理解了。素描的多样性是在人的认识不断发现不断创造的过程中形成的，可以说，是在尊重个体人的创造才使素描的多样性成为可能。 我们的教学，是以培养健康的人为前提的。尊重每一个人，发现每一个人的创造潜能，是教育者的责任。其实“人人都是艺术家”就是尊重每个人的存在，我认为仍然是人本主义精神的体现。 由此看来，素描可以有多种表现形式，素描教学的内容应更宽泛些，素描不仅是技巧与方法的训练，也应是思想与观念培养。 二.作为基础教学素描既是思想也是方法 素描是思想方法，是一种思维方式。克利说：用一根线条去散步。就说明了这样一个涵义。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作，无一不反映了大师的思想及独特的看法。达芬奇、米开朗基罗、丢勒、鲁本斯、伦勃朗直至印象派之前的古典艺术家，在创作之前大都要先画素描草图进行构思，即使现代艺术家塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索也同样是利用素描的方式在思考。因为素描是如此的简便而直接。 从这一点上来说“素描是一切造型艺术的基础”有一定的道理。只是这个“素描”是什么“样式”的素描有待商榷。 造型艺术的基础是由艺术形式决定的，单一的素描方法不可能解决“一切造型艺术”的基础问

白描花卉临摹 教案

课题：白描花卉临摹 课时：1课时 课型：绘画型 授课对象:初中2年级 教材分析:白描是中国画技法形式的一种，主要多用于人物或双勾花鸟画。白描画法全凭线的虚实刚柔，浓淡粗细来体现物体的不同质感和变化。白描作为国画的一种画种，古代则称之为白画，通常也叫线描。 教学目标： 1.知识和技能目标：通过线的长短、粗细、方圆、曲折、疏密、虚实以及用笔轻重、顿挫、刚柔等，各种节奏变化都是它独特的艺术表现形式。 2.过程和方法目标:使学生在练习画作的过程中可以锻炼运笔、用墨、用线以及构图等方面的基本功，以及掌握花鸟画的造型能力。 3.情感态度和价值观目标：白描是画工笔画上颜色的基础，首先是通过白描画法勾出画面的轮廓，然后在画的过程中能够感受到线条的曲折，弯曲变化之美，在跟老师的交流的中能够了解白描的魅力。 教学重点：运用线条的特点画出优美生动的画作。 教学难点：对工具材料性能的初步掌握和基本技法的运用，如何能够把握用线、用笔画出一幅趣味生动的画。 教学方法：在讲授、欣赏、演示的基础上，指导学生进行摹写练习 1.教法：课本、作品讲解 2.学法：多练习速写，写生花卉、草木等

教具准备:课本、图片 学具准备：笔、墨、纸、砚 教学过程： 一：组织教学：清点人数，检查学生用具准备情况，出示范画。（4分钟）二：引入新课：“白描”即线描 ,古代称“粉本” ,后成为一个独立画科 ,具有单纯朴实、造型严谨、气韵生动、讲究用线、形式感强等艺术特点按现代广义的理解 ,属于素描之一种 ,古代称为“白画”或“粉本” ,即是绘画的底稿。在上节课的基础上加些人物画。（4分钟） 三：讲授新课：（27分钟） （一）：导言： 总结、评价前课工笔花卉的情况，并表扬优秀作品 １：临摹前的准备：学习白描首先从临摹入手，学习今古名家的表现技法，其次是到生活中去观察、写生。 ①：范本的选用。 ②.：读画：选定范本后，分析理解其技法特点。通过读画，提高自己的鉴赏水平，做到心中有数，才能有的放矢地进行学习。 ２：怎样临摹：用笔切记挑、滑。一般说来，勾好每一条线都必须有起笔、行笔、收笔三个动作。要领在于： a：起笔藏锋，如欲向右行，先向左藏锋顿笔，然后再右行。反之，则欲左先右，上下行笔也如此要求。 b.：行笔要稳、速度宜慢，用力要均匀。行笔中途转向应稍停为后折回为“挫”，顿、挫时要调整笔锋方向以免出现侧锋。 C:收笔回锋，使线条沉稳含蓄，避免“飘” （二）作品欣赏 《朝元仙仗图》 宋代画家武宗元。从这幅画中，可以感受到白描作品的魅力。整幅画以铁线为主，劲挺流利。画的内容虽然取材于道教神话人物，它的内容显然已经超过了对神仙