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京剧的发展现状

京剧的发展现状
京剧的发展现状

京剧的发展现状

一、全国京剧院团概况

2005年,文化部对全国27个省区市的37个京剧院团进行了全面评估,确定了中国国家京剧院、北京京剧院、天津京剧院等11个国家重点京剧院团和重庆市京剧团、甘肃省京剧团等省级重点京剧院团,拟定了《国家重点京剧院团保护和扶持规划》,并积极与财政部沟通,设立了“国家重点京剧院团保护和扶持专项资金”。实施了形式多样的人才培养计划,资助国家重点京剧院团新剧目创作及进校园演出,并资助京剧院团赴国外演出。经过多年的努力,目前京剧院团的生存环境有了很大的改善,在传统继承和艺术创新方面不断取得成绩,表演人才培养的成果开始显露,演出场次和收入有所提高。

但是也存在的问题和困难:

一、创作人才匮乏。

二、缺乏固定的演出场所。

三、经费投入仍然不足。目前各地的京剧院团,特别是京津沪之外的大多数京剧院团在地方财政支持下勉强维持生计。

四、工资和演出收入偏低。

五、市场营销能力仍然较差。虽然已经打开了一定的市场,但大多数院团演出场次和演出收入仍然不高。

二、京剧人才培养

文化部艺术司举办了两届京剧表演培训班、一届京剧导演培训班和周信芳艺术流派研习班,来自全国28个国家级、省级重点京剧院团的100多位演员和导演参加培训。中国戏曲学院举办的研究生班和京剧流派班等,为各京剧院团培训了一批专门人才。全国重点京剧院团也实施了多样化的京剧人才培养计划,举办各类人才培训班近300班次。

尽管国家大力扶持,京剧人才培养还是面临许多问题。例如,2011年,中国戏曲学院京剧表演专业招生名额为50人,共有115人报名参加专业考试,招录比例为1:2.3。而同一时期,北京电影学院表演学院报考和录取人数比例却达到了1:146。热爱京剧并有志于投身京剧表演艺术的人少了,京剧各行当的发展不同程度地出现了人才危机。同样的状况也存在于京剧编剧、导演、音乐等各个环节。

现在专业学院培养的戏曲编剧文学功底不强,韵白不精,大都缺乏对京剧艺术的执著精神,耐不住寂寞和清贫,一窝蜂地投向影视的怀抱;部分留守的戏曲编剧也大都成为“无所不能”的编剧,无论现代戏还是古代戏,南北的剧种都能见其身影,以至于较大规模的戏剧展演上出现不同作品、同一编剧“撞车”的现象。

三、京剧剧目编排

《国家重点京剧院团保护和扶持规划》自2006年开始实施,文化部重点扶持了11个国家重点京剧院团的15个京剧新剧目的创作,如《成败萧何》、《飘逸的红纱巾》、《北风紧》等。

与此同时,各重点京剧院团加大了对优秀传统剧目的复排力度,并根据本京剧院团的流派特色,有重点、有选择地抢救了数百出传统剧目,如天津京剧院成立武戏研究室,挖掘、整理了一批鲜见舞台的武戏;沈阳京剧院积极抢救挖掘唐(韵笙)派濒危剧目等,保证了京剧艺术对传统流派的继承和发展。5年来,11个国家重点京剧院团共创作新剧目76台,整理改编传统剧目266台。此外,17个省级重点京剧院团也创作了47台新剧目,整理改编传统剧目106台,演出11387场

四、海外市场的拓展

自1919年梅兰芳首次率剧团赴日本演出至今,京剧在海外的传播已有近百年的历史。

新一代京剧艺术家的足迹遍及世界,京剧在海外的影响力与日俱增。此外,海外华人社团京剧专业人才或业余票友组成的京剧团或京剧社也为京剧在海外的传播发挥了积极作用。

据美国京剧节组织者介绍,传统名剧《杀四门》、《花田错》、《林冲夜奔》等都赢得观众热烈反响。每一届京剧艺术节的举办都会在上一届的基础上结合观众和演员的建议加以改进,力求为观众带来耳目一新的观赏体验。

据悉,10年间当地京剧演员在多所美国学校举办演出,希望“华二代”和当地青少年能从小接触中国传统优秀文化,培养兴趣,传承中华艺术之瑰宝。

京剧在海外“绕梁不止”的同时面临诸多问题限制其发展,例如:

⒈国外真正懂京剧的人不多,尚未形成固定的观众群。很多外国观众观赏京剧如同看热闹,只是出于对东方文化的好奇,对京剧丰富深刻的文化内涵则缺乏了解。

⒉语言障碍和文化障碍影响了京剧在海外的传播。

⒊票房收入低,需要政府扶持、补贴,京剧尚未进入世界演艺的主流市场。

未来京剧发展的方向

一、培养青少年对京剧的兴趣

对青少年进行传统文化艺术教育,让他们能够比较全面和正确的接触京剧艺术形式,了解基本的艺术常识,有欣赏它的审美能力。

具体措施

1、中、小学生应该定期有一堂戏曲艺术的鉴赏课,并有人辅导和适当讲解。

2每周末各剧场都应该有一次低票价、甚至免票价的学生专场,和各中、小学艺术欣赏活动挂钩(北京音乐厅每周六下午都有这样的古典音乐会,票价10元,有人穿插讲解)。

3、对于少数特别喜好戏曲艺术的人,也应该象学钢琴、学舞蹈那样,在社会上有供培训、深造的场所,满足广大爱好者的需求。

二、改革演出机制

京剧是舞台艺术,本事都是台上练出来的。现在演员普遍缺乏舞台实践,比起老一辈艺术家的演出密度,远远不够。只有不断演出,才能精进艺术,才能得到第一手的观众回馈反响。具体措施:

改大剧院为小剧场、小戏园,以增加演员表演场所,降低演出成本,从而增加实践机会,形成剧场间的良性竞争,演出会越来越丰富精彩,票价也会越来越合理。

三、加大戏曲文化宣传力度

戏曲文化也可以迈入时尚的大门,找到有效的宣传手段。这种时尚应该更多的体现在生活中。具体措施:

1、优秀的、有条件的青年演员应该成为品牌和偶像,借用娱乐界已经比较成熟的宣传手段来推广。

2、戏曲文化符号应该打开思路,走进流行市场。服装、装饰用品、流行音乐,甚至电子游戏,都可以融入戏曲文化内容,将它成为一种喜闻乐见的群众娱乐方式和生活时尚。

四、转变国际化思路

一提起国际化,我们总是先将目光对准欧美,但这种做法效果并不好。京剧走出去应该先关注东亚、东南亚市场。因为同是东方人,更容易理解和接受中国的戏曲文化。

具体措施:

1、与东亚、东南亚各地华人团体联系,共同创造更多的演出机会。

2、在有条件的地方设立常驻京剧表演团体。使京剧进入当地演出市场。

3、在当地开设京剧艺术培训机构,在该国形成一批京剧爱好者,培养一批京剧演员。

京剧名段欣赏--青衣唱段

京剧名段欣赏--青衣唱段梅派: 贵妃醉酒-- 海岛冰轮初转腾 霸王别姬-- 看大王在帐中和衣睡稳 -- 劝君王饮酒听虞歌 凤还巢-- 本应当随母亲镐京避难 凤还巢-- 母亲不必心太偏 穆桂英挂帅-猛听得旌鼓响画角声震 天女散花-云外的须弥山色空四显 生死恨-- 夫妻们分别十载 麻姑献寿-- 瑶池领了圣母训 西施-- 水殿风来秋气紧 大唐贵妃-- 挽翠袖进前来金盆扶定 大唐贵妃-- 杨玉环在殿前深深拜定 程派: 荒山泪-- 谯楼上二更鼓声声送听 春闺梦-- 可怜负弩充前阵 春闺梦-- 被纠缠陡想起婚时情景 六月雪-- 未开言思往事心中惆怅 锁麟囊-- 怕流水年华春去渺 锁麟囊-- 春秋亭外风雨暴 锁麟囊-- 耳听得悲声惨心中如捣

锁麟囊-- 一霎时把前情俱已昧尽 锁麟囊-- 当日里好风光忽觉转变 锁麟囊-- 这才是人生难预料 贺后骂殿-- 有贺后在金殿一声高骂 张派: 状元媒-- 自那日与六郎阵前相见 女起解-- 玉堂春含悲泪忙往前进 怜香伴-- 我已将巧计安排定 春秋配-- 受逼迫去捡柴泪如雨下 春秋配-- 蒙君子赤诚心再三问话 望江亭-- 只说是杨衙内又来搅乱 望江亭-- 独守空帷暗长叹 西厢记-- 先只说迎张郎娘把诺言来践荀派: 红娘-- 叫张生隐藏在棋盘之下 红娘-- 看小姐做出来许多破绽 红娘-- 看小姐红晕上粉面 尚派: 双阳公主-- 风萧萧惯长征千里战马 失子惊疯-- 遭陷害逃出门飘零路上 乾坤福寿镜-- 遭陷害逃出门飘零路上另:各派均演的

白蛇传-- 小青妹且慢举龙泉宝剑女起解-- 崇老伯他说是冤枉能辨大登殿-- 讲什么节孝两双全 二进宫-- 自那日与徐杨决裂以后

中国话剧发展简史

一、中国话剧的起源 话剧是泊来的西方戏剧品种,较之源远流长的中国戏曲艺术,它则是后起之秀,伴随着中国社会走向现代的历史进程,被中国人引进的西方艺术形式,这种艺术形式被中国人不断地吸纳和改造,从而实现了创造性的转化。中国话剧有别于中国传统戏曲,它不以歌舞演故事,而是以对话、形体动作和舞台布景创造真实的舞台视觉。但在艺术精神上,同中国的传统戏曲乃至中国的文学艺术建立了内在而深厚的联系。它已经把一种外来的艺术形式转化具有现代性和民族特色的中国戏剧样式,成为中华民族文学艺术的组成部分。19世纪末20世纪初,当西方戏剧是涌入中国之时,中国传统的戏曲也经历着变革思潮的冲击,掀起一股戏曲改良的热潮,遂有了“时事新戏”,已溶入了话剧的形式。1899年,上海圣约翰书院的中国学生编演了一出名为《官场丑史》的新戏,演出方式同传统经曲迥然不同,其中一些情节是从传统戏曲中化用过来,为后来以文人演剧活动奠定了基础。所以,人们把学生演时事新剧作为中国早期话剧的先驱。 二、中国话剧的萌芽改良的中国戏曲,虽对西方戏剧有所借鉴,但还不是真正的话剧。学生演剧,虽有些接近话剧,也只能看作是中国话剧的准备,一般戏剧史学家把1907年春柳社在东京上演的《茶花女》和《黑奴吁天录》作为中国话剧史开端的标志。李叔同、欧阳予倩诸人创办的春柳社于1907年春,在东京演出了法国小仲马的名剧《茶花女》的第三幕,获得了在东京的中外人士的称赞。他们的演出“全部用的是口语对话,没有朗诵,没有加唱,还设有独白、旁白”。这种演出形态,可以说已是话剧。不久,又演出了根据斯托夫人的小说《汤姆叔叔的小屋》改编的话剧《黑奴吁天录》。此剧在内容上很有现实性,采用分幕方法,以及对话的动作演绎故事的特点,有接近生活真实的舞台形象,确立了中国前所未有的新剧形态,即后来才定名的话剧艺术形态。 三、文明戏的脚印文明戏是当时中西文化的激烈碰撞中的产物,是中国话剧的一种“不中不西,亦中亦西,不新不旧,亦新亦旧,杂糅混合的过渡形态”。尚缺乏自己的东西和找到自己的文化定位。尽管它曾兴盛一时,但还没有扎下根来。如当时随着辛亥革命的失败,文明戏也逐渐衰落,但将戏剧作为生存手段,出现一批迎合小市民的庸俗趣味的家庭剧。在文明戏误入岐途时,一支学校演剧队伍却异军突起。它就是新式的南开学校,校长张伯苓受过西方教育,他把学生演剧纳入学校教育之中,于1914年南开新剧团成立。采用西方写实主义的方法,反映了社会现实问题。南开新剧团的演出为当时的剧坛带来一股清新的空气。文明戏虽然衰落了,但也为“五四”新剧的诞生准备了条件。1928年,戏剧家洪深提议,将主要以对话和动作来表情达意的戏剧样式,正式定名为“话剧”。 四、“五四”运动与话剧的形成1919年,中国发生了一场震惊中外的“五四”爱国运动,也是一场旨在解放思想的新文化运动。新剧,即话剧,也在这场伟大的文化运动中形成。在狂飙突起的反封建文化的浪潮中,文明戏早已难以担当宣扬新文化的使命。而旧剧,也就是中国传统的戏曲,在“五四”新文化的倡导者看来,是应该推倒的旧文化的堡垒。因而有了新剧旧剧之争。有人主张保存旧剧。他从西方话剧与歌剧分流的特点出发,认为中国传统戏曲与新剧应并行不悖。也有人从中西戏剧的比较中,认为中国传统戏曲“重写意”,有别于西

传承戏曲艺术 发扬中国文化

【内容摘要】中国文化博大精深,曲艺文化是其中不可忽视的文化力量。自电影传入中国,便与戏曲深深结缘,二者相辅相成,共同发扬中国文化。 【关键词】传统戏曲中国文化中国电影戏曲元素 小小的身影讲述着千年的故事,幽婉的曲调传扬着上古的声音,一声声铿锵有力的锣鼓传递着华夏子孙不屈的意志,一幕幕曲折动人的故事承载着国人五千年的悲喜怒乐。戏曲——中华民族的瑰宝,在历史的长河中,戏曲的发展,潺潺而流,从未曾干涸。数百年前,当我们依旧做着天朝圣国的美梦时,西方世界正在大刀阔斧地进行工业革命,当他们打开我们的国门强行带走无数奇珍异宝的同时,也将电影带进了我们的世界。随后,从无声到有声,从黑白到彩色,电影经历着一次次改革,不断发展壮大并成为当今文化传播的一个主流载体。除了那些从小听着《穆桂英挂帅》,看着《天女散花》的祖辈们,现今已鲜有年轻人愿意跨进剧院,聆听这份传承千年的艺术。无数人站出来宣称戏曲灭亡论,殊不知,戏曲已经用另外一种方式存在于历史发展的大舞台之中。纵观中外电影,无论是《霸王别姬》还是《大闹天宫》;无论是影视剧还是动画;无论是从小受中国戏曲文化熏陶的本土导演陈凯歌,还是深受中西文化融合影响的香港电影导演徐克,戏曲元素以各种形式存在于影视剧作品之中,依旧用戏曲特有的方式,传递着中国传统文化。这种方式的载体,我们称之为戏曲元素。 何为戏曲元素? 有人说中国传统戏曲中的“唱念做打”便是戏曲元素,也有人说戏曲元素就是五彩斑斓的服饰、夸张传神的动作、丰富多变的色彩、生动夸张的脸谱。戏曲元素即编剧方面有剧本文学的诗赋性,结构方面是点线连贯的分场性,超脱的时空变化,综合的表演形式,根据行当创造角色,流动的技艺及通俗的民间艺术。①笔者认为,戏曲元素简单概括便是戏曲的综合性、写意性与技艺性。 下面笔者从三个部分来具体阐述戏曲元素在影视剧作品中的运用。 一、向经典致敬 1905年,丰泰照相馆内,“谭鑫培唱着最拿手的《定军山》,只见他配合着锣鼓点儿,一甩髯口,把刀一横,立成顶梁柱一般,就听旁边有人喊:‘快摇’,刘仲伦便使劲摇了起来,那时的胶片只有二百呎一卷,很快便摇完了,算告一段落……”② 就这样,中国第一部电影《定军山》拍摄完成。这是京剧史上的里程碑,更是电影史上的里程碑,中国电影的起步,便是说唱艺术和传统的中国戏曲结合的产物。传统中国戏曲已经成为中国电影独特的一种存在形式,自电影开始在中国发展,就未曾忽略过民族国粹的地位,更有许多影片向中国传统艺术致敬,其中不乏《霸王别姬》《刀马旦》等优秀影片。 《霸王别姬》可谓是陈凯歌导演的巅峰之作,本片以“文革”为背景,讲述了京剧名旦程蝶衣和名生段小楼的故事。片中情感细腻,色彩华丽,对中国的历史文化及人性进行了深入挖掘。影片中,当段小楼揭发程蝶衣时,当“文革”的黑色雾霾笼罩着中国大地时,笔者不禁思考陈凯歌为什么要用我们的国粹京剧艺术来衬托这一故事。中国京剧博大精深,是中国文化最为厚重的艺术之一,陈凯歌导演的独到之处便是用最具代表性的中华艺术来映射中国传统文化的哲学思考。人生如戏,戏如人生,虞姬最后自刎于霸王剑下亦是程蝶衣自刎于段小楼剑下,陈凯歌的这一做法是聪明而独到的。戏曲《霸王别姬》无疑是国人最熟悉不过的剧目之一,用历史演绎过去,戏曲的助力使影像的张力更加具有历史深度。 二、局部引用 在众多中国电影中,戏曲的各种元素被中国导演灵活运用。1942年中国第一部有声动画《铁扇公主》吸收了传统戏曲的造型艺术,人物活灵活现。无独有偶,《大闹天宫》的孙悟空的扮相完全借鉴了京剧中猴戏的孙悟空脸谱,为广大观众所喜爱。在音乐方面,影视剧作品中不乏锣鼓小调的出现,红极一时的电视剧《大宅门》同名片头曲《大宅门》中融合了京剧、

浅谈中国戏剧的发展现状及前景

中国戏剧在新时代的发展之路 中国是戏剧大国,作为国粹的梅兰芳的京剧体系和布莱希特的柏林剧团与斯 坦尼拉夫斯基的莫斯科大剧院并称世界三大戏剧体系,而另一种剧种昆曲则是世界文化遗产之一。 然而,中国并没有形成世界性的戏剧中心,而且在当下的社会中,中国的戏剧已经陷入了一种前所未有的低谷。这个低谷主要体现在两个方面:一个是作为戏剧接受主体的观众对于戏剧本身的拒绝接受,另一个则是作为戏剧管理者和戏剧文学家们对于戏剧与市场和戏剧文学创作的不切实际。 如今,步入低谷的中国戏剧已无法与繁荣发展的西方戏剧相媲美。世界齐名的两大戏剧中心——纽约百老汇和伦敦西区经过数百年的发展,已然成为西方戏剧的王国,而且也成为了表演艺术的国际舞台。时至今日,它们作为戏剧中心和娱乐中心,不仅将西方戏剧的影响日益扩大,而且在美英两国的经济中发挥了越来越令人瞩目的作用,成为一股不可忽视的力量。这种发展势头和成就是现在的中国戏剧无法企及的。 那么,中国戏剧为什么会出现今天这种状况呢?与纽约百老汇和伦敦西区相比,它有哪些不足之处? 首先,我认为二者的发展路线存在差异。非源于大多数观众的欣赏而产生的艺术形式本身就注定是一种“大雅”的艺术审美形式,这种“大雅”本身不会存在着太多的接受者。经过漫长的发展,中国的戏剧一直保留着当时的唱腔、表演形式与剧本模式,这种保留一方面是国粹的传承,一方面却很容易走向拟古守旧的误区。而纽约百老汇则不同,它走的是大众化路线,经常会组织人员对各地的观众进行市场调研,以满足他们不同的口味和与

当地的风俗习惯等因素谋求和谐。伦敦西区的魅力和优势也在于它在有限的空间内为观众提供了多样的选择,以集体的优势吸引庞大的观众群,产生连锁效益,因为不同口味的观众在西区都能找到自己中意的节目。 所以,中国戏剧要有所发展,应该“让戏剧走向大众视野”,戏剧是演给人看的,戏曲的创作演出时刻应当为观众而存在,失去了观众,戏曲就成了无源之水、无本之木。因此戏曲创作必须考虑观众的需求,自觉地受观众的制约。其实中国的戏曲艺术历来重视在舞台上塑造栩栩如生的艺术形象。传统戏曲时刻不忘观众。过去的戏曲编剧在选材时,大都取材于广大群众喜闻乐见的历史故事、民间传记及社会上的新闻等,以此来引起观众的兴趣。导演也是如此,时刻提醒演员不要忘了观众。而演员则必须唱得好、演得好、舞得好、打得好,才能赢得观众的赞赏和肯定。总之,戏曲的创作与演出要以观众为中心,以观众的欣赏需要为目的,承认观众的存在,重视观众的需求,就是尊重戏曲的艺术规律。综观戏曲舞台上历来产生的大批优秀剧目,正是遵循艺术规律,以观众为出发点,发挥戏曲独特的表现手段,才会深深地打动群众,受到观众的好评。 戏曲演出必须明确一点:要让观众看得懂、引起观众的浓厚兴趣,才能达到寓教于乐的目的。如果观众对所演的剧目根本看不懂,或是虽能看懂,但剧目曲高和寡,或反映的是观众不关心的事,那么即使编剧的写作再娴熟,导演的手法再高明,演员的演技再炉火纯青,对于观众来说都是隔靴搔痒、无动于衷的。戏曲不能打动观众,就会失去生命。这在中国戏曲史上也曾有过教训。如昆曲历史悠久,在中国戏曲史上占有重要地位,成为皇家御用的宫廷戏后,离百姓生活愈来愈远,渐渐脱离了群众。 戏曲艺术以观众为中心的原则,归纳起来是:思想性、娱乐性、群众性三结合的原则。首先,它有很强的思想性,但表演要深入浅出,寓教于乐;既讲究娱乐性,要求演出声情

京剧艺术的现状及发展

京剧艺术的现状及思考 --------从马克思主义看?京剧现状与发展?京剧,作为中国传统文化的精粹,已经有200多年的历史,在这二百年中经过了一代又一代的艺术家们的努力,使京剧艺术变成了有深厚文化底蕴、有深厚实践积累,有深厚群众基础的文艺瑰宝,不但得到了中国人民的喜爱,也得到了世界各国人民的青睐。京剧是国宝,是中华民族自己的艺术,自从徽班进京,京剧就开始形成。在清末,就出现了谭鑫培、杨小楼等一大批京剧艺术家。在以后又出现了以四大花旦、四小花旦、马派、谭派〃〃〃〃〃〃等一系列流派,使京剧艺术走入了成熟期、鼎盛期。以后一直为国人喜爱,中国也为有这样的艺术而骄傲。 京剧艺术更是给了我们独特的美的享受。京剧完美表现追求意境美的主张,它贯穿在一切表演手段中;无论哭、笑,还是辱骂,无论是鞭笞,还是杖打,即便是顶风冒雨,或者是临死挣扎必须是以‘唯美’的创作标准,演员必须把内心的真实体验,赋予形体外在的表现美。京剧演员在舞台上表现的?哭与笑?要求哭;要哭得美,笑;要笑得艺术,它决不是生活中的真哭,真笑。而京剧艺术正是运用这个虚实结合的表演艺术智慧,才升华了艺术表现的伟大价值。它与历史同步发挥着不可替代的文化传播作用。京剧演出盛况直至六十年代末,京剧它一直是百姓喜爱,日常生活中不可缺少的精神文化娱乐的主流艺术。这魅力无穷的京剧艺术能像魔幻一般叫世人着迷,那是京剧它有一张极尽民族表情的面孔,它有着代表中国人性格的表达方式,

而这种表达方式,经过长期磨砺被证实的就是那种完美表现的艺术追求。京剧正是通过与中国文化的结合和独具特色的审美价值震惊了世界,是中国的?国粹?传到世界各地。 然而,古老文化的逐渐陨落已是即成的事实,在流行元素的冲击下,京剧、民乐、诗词歌赋等等精神财富正在被越来越多——尤其是年轻一代——所遗忘,这无疑是一种国家精神文化的断层与流失。 随着90年出生的一代人开始占据文化领域的主流,越来越多的人开始忽视中国传统艺术。随着经济的发展和技术的进步,年轻人对流行的音乐电影更感兴趣,京剧这被称为?国粹?的艺术已经被我们渐渐淡忘。 从过去的万人空巷到现如今的鲜有人闻,这里面的原因是多方面的。 一是当代文化的冲击。当今社会,文化丰富,娱乐形式多种多样,各种文化间百家争鸣,你方唱罢我登场,通俗易懂的快餐文化充斥着大街小巷,而那犹如高空明月京剧就显得没那么接地气了。 二是创作人才匮乏。国家级和省级重点京剧院团,虽然已建立起一支具有一定数量和质量的表演人才队伍,但是,编剧、导演、音乐、舞美等方面的创作人才,却处于极度匮乏的状态。京剧需要领头人,需要像梅兰芳、谭鑫培那样的大师,二反观目前京剧界的现状,大师们基本上都已老态龙钟甚至故去,各个流派青黄不接,早在2012年张学津先生去世时,大家就曾言世上再无马派,而最近戏剧界更是哀伤连连,四月底,著名京剧艺术家、梅兰芳先生的爱子、梅派艺术当

京剧四大名旦指的是谁

京剧四大名旦指的是谁 四大名旦的称谓是由沙大风于1921年在天津《大风报》创刊号上首次提出。你知道京剧四大名旦指的是谁吗?下面就是给大家整理的京剧四大名旦简介,希望对你有用! 四大名旦的称谓是由沙大风于1921年在天津《大风报》创刊号上首次提出,以区别曹锟内阁程克四大金刚。京剧四大名旦是指梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生,他们是我国京剧旦角行当中四大艺术流派的创始人。他们的优秀艺术,给人留下了不可磨灭的印象。 王瑶卿给四大名旦每人一个字的评价,直接反映各人特色。 梅兰芳;;"样" 程砚秋;;"唱" 荀慧生;;"浪" 尚小云;;"棒" 梅兰芳简介 梅兰芳(1894~1961),原籍江苏泰州名澜,又名鹤鸣,字畹华、浣华,别署缀玉轩主人,艺名兰芳。北京人,1894年生于北京,他出生于京剧世家,10岁登台在北京广和楼演出《天仙配》,攻花旦,1908年搭喜连成班,1911年北京各界举行京剧演员评选活动,张贴菊榜,梅兰芳名列第三名探花。1913年他首次到上海演出,在四马路大新路口丹桂第一台演出了《彩楼配》、《玉堂春》、《穆柯寨》等

戏,初来上海就风靡了整个江南,当时里巷间有句俗话:“讨老婆要像梅兰芳,生儿子要像周信芳”。他吸收了上海文明戏、新式舞台、灯光、化妆、服装设计等改良成分,返京后创演时装新戏《孽海波澜》,第二年再次来沪,演了《四五花洞》、《真假潘金莲》、《贵妃醉酒》等拿手好戏,一连唱了34天。 回京后,梅兰芳继续排演新戏《嫦娥奔月》、《春香闹学》、《黛玉葬花》等。1916年第三次来沪,连唱45天,1918年后,移居上海,这是他戏剧艺术炉火纯青的顶峰时代,多次在天蟾舞台演出。综合了青衣、花旦、刀马旦的表演方式,创造了醇厚流丽的唱腔,形成独具一格的梅派。1915年,梅兰芳大量排演新剧目,在京剧唱腔、念白、舞蹈、音乐、服装上均进行了独树一帜的艺术创新,被称为梅派大师。 程砚秋简介 程砚秋(1904~1958),满族,北京人。自幼学戏,演青衣,受师于梅兰芳。他在艺术上勇于革新创造,讲究音韵,注重四声,追求"声、情、美、永"的高度结合,并根据自己的嗓音特点,创造出一种幽咽婉转、起伏跌宕、若断若续、节奏多变的唱腔,形成独特的艺术风格,世称"程派"。程砚秋擅长演悲剧,编演过《鸳鸯冢》、《荒山泪》、《青霜剑》、《英台抗婚》、《窦娥冤》等戏,大多表演封建社会妇女的悲惨命运。 晚年的程砚秋致力于教学和总结舞台艺术经验的工作。1949年作为特邀代表,参加全国政协第一届会议,1950年当选全国人大代表,中国戏协理事会主席团委员,1953年任中国戏曲研究院副院长,

【京剧服饰元素提取】京剧服饰元素在丝巾创新设计的应用论文

【京剧服饰元素提取】京剧服饰元素在丝巾创 新设计的应用论文 1京剧服饰元素 1.1色彩纯粹,对比强烈 京剧服饰的色彩通常取材于生活及自然中最真实的颜色,主要分为“上五色(红绿黄白黑)”和“下五色(紫粉蓝湖香)”,而实际运用时通常在此基础上进行延伸和扩展,繁衍出众多中间色。在运用手法上,惯以多重色彩对比,达到局部矛盾、整体和谐的效果,在倾诉情感的同时赋予极强的视觉感。此外,也包括利用点、线、面的形式将色彩组合,使其抽象化,赋予其独有的意境,这是一种具有层次性的表达手法。如京剧脸谱,通过对抽象的线条、鲜明的色块进行夸张、变换与组合,在展现视觉之美的同时,利用色彩联想丰富人物性格。京剧服饰在色彩的运用上具有极强的写意性,从色彩的象征意义上来说,主要有如下三点:1)象征人物的身份地位,是“明贵贱,辨等级”的工具,如以“黄色”喻尊贵,“青色”喻卑贱,而尊贵又有高低之分,皇帝着“正黄色”,太子、亲王均着“杏黄色”。2)象征人物性格特点,如项羽等着“黑蟒”以示其刚直沉稳;关公着“绿蟒”、妆“红脸”以示其智勇双全。3)象征场景氛围,如白色用于丧事,

表哀悼之意;红色用于婚庆时,表喜庆;而在临刑时,则表辟邪图 吉利。 1.2纹样寓意,构图均衡 京剧服饰纹样的种类繁多,不仅吸收了历代服饰纹样的特 点,同时也汲取了建筑和生活中各类器皿中的图案。对于同一纹样,它通常以多种形态进行表现。如云龙纹有团龙纹、行龙纹、 大龙纹三种形态,而海水纹则有立水及卧水。京剧服饰纹样在构 图及纹样组合上追求一种平衡之美,并在一定程度上反映了中国 传统文化,以及思想观念,概括为以下几点:1)方圆兼济。京剧服饰纹样在外形和布局上以方和圆居多,其中回纹、绵长等为方, 团花纹等为圆,这是以中国传统哲学思想为基础的构图形式,也 是中国传统服饰图案最典型的构图格式,即“方圆套叠、破方为圆、方中有方”,只有方圆相济方能达到和谐。2)对称。京剧服 饰纹样在整体上讲究对称的形式美,蟒袍通常采用中心对称法 则,整体庄重威严,气势磅礴,同时象征着权势。而帔、靠多为 以前中为对称轴的左右对称形式,以此达到视觉上的协调美观。3)均衡非对称。这主要运用于有角花装饰的服饰,如小生穿着的褶子,在左下角以一树梅或其他花卉为装饰,而交领边缘又饰以同 类但形态不同的花卉纹样,使整体达到呼应与均衡。4)反复和连续。以二方连续或四方连续的手法将云纹、回纹等循环往复的向 周围延伸扩散,在排列上体现有层次化的节奏和韵律,实现了动 与静的结合,极具装饰效果。5)散点。主要运用于丑行所着的服

京剧传承的文化责任

京剧传承得文化责任,不能只被梅葆玖们承担20160426 09:38:24 京剧得生存危机,在梅兰芳时代就有,所以梅兰芳才要在巨大得压力下推动京剧改革。也正就是因为改革,梅兰芳所创立得“梅派”艺术,才取得了辉煌得成绩。 昨天,梅兰芳之子,京剧表演艺术家梅葆玖去世。在张君秋之子张学津、马连良之子马崇仁去世之后,京剧名家传人就此又少一位。人们在纪念梅葆玖得同时,不免也会有些担忧,京剧得传承,在这些具有影响力与号召力得名家去世之后,究竟会往何处走? 多年以来,京剧被定义为传统文化得一张名片,这使得京剧得戏剧地位,得以被很好地捍卫。但与此同时,过于强调京剧得文化属性,而淡瞧其娱乐价值,也使得京剧固守辉煌历史,却不得不面对市场日益冷清得尴尬。面对这种状况,京剧人作出了百般努力,但瞧似于事无补。 毫无疑问,对于传统戏剧得传承,要在认知上有新得角度。艺术传承得关键在于人,这在很长一段时间内,都被当成保护传统戏剧得金规铁律。无论就是直接传承人还就是间接传承人,都承担了巨大得文化责任,甚至这责任会成为难以承受之重。但除了人得要素之外,艺术传承还要在纵向得时间线索上不能断裂,在横向得空间范围内有蒲公英式得广泛散播。 京剧就是欣赏门槛较高得戏剧品类,这就是公认得。可由于长期速食化娱乐得影响,当大量电影、电视剧、网络游戏等几乎无理解障碍得作品或产品摆在面前时,非专业观众难免会舍弃京剧、昆曲等传统戏剧,转而接受更直接得娱乐消遣。很少有人愿意去改变惰性,通过提升自己,来达到能够完整体会京剧之美得目得。于就是,这样一种奇怪得状况产生了:传承人越就是严肃、认真地向观众传递自己得京剧精神,观众虽然在口头上报以赞赏,但在行动上却往往敬而远之。 这不由让人反思,在京剧传承得时间线索上,究竟在哪儿出了问题。在整个社会都开始重视传统文化得背景下,京剧信息得传播为何总要等到其代表人物去世时才能引起公众关注?京剧得生存空间究竟有多大?扩大观众群重现京剧辉煌还有没有可能?传统戏剧必须要牺牲掉一些固守得形式来延续生命力有没有必要?想要把这些问题搞清楚,显然仅把京剧得冷清归罪于“娱乐至死”就是不够得。 京剧得生存危机,在梅兰芳时代就有,所以梅兰芳才要在巨大得压力下推动京剧改革。也正就是因为改革,梅兰芳所创立得“梅派”艺术,才取得了辉煌得成绩。1930年在美国演出得巨大成功,也使得京剧拥有了一次流行于国际得机会。 当然,京剧那次良好得国际化开端带来得经验,并没有在后来被总结运用,因为,想真正在文化多样性得国际演出市场上站住脚跟,京剧就必须要遵循商业演出得规律,必须要改革,甚至要大得改革,这对京剧根深蒂固得祖师规矩仍然就是严峻得挑战。直到今天,京剧改革仍然就是京剧人想要触碰又不敢触碰得命题——京剧改革带来得利益与改革带来得压力与伤害相比,人们更在乎后者。 媒体发达,公众对优质精神产品重拾兴趣,传统文化得时尚运作空间越来越大,京剧不就是没有复兴得可能。京剧复兴得基础,当然在于对其精粹得认识,对其传承得重视,但需要做一些此前很少做得事情,比如用现代得眼光来重新审视京剧,用不违与得技术来为京剧增加魅力,用新鲜得概念、创意,在推广、制作、审美提升等方面,扭转京剧下滑得颓势。而作

京剧的发展历程

京剧的发展历程 京剧的形成与发展大体可分为三个阶段: 孕育、成型、发展;四个时期: 孕育融合期、形成期、成熟期、鼎盛期。 各期时间大体为1780 ----1840年间。1840 ---- 1883年间。1883 ---- 1917年间。1917年后1860年到1949年,京剧大体经历了三个发展阶段。 京剧的发展分为孕育期、形成期、成熟期、鼎盛期。 孕育期: 徽秦合流 京剧霸王别姬清初,京城戏曲舞台上盛行昆曲与京腔(青阳腔)。乾隆中叶后,昆曲渐而衰落,京腔兴盛取代昆曲一统京城舞台。乾隆四十五年(1780年)秦腔艺人魏长生由川进京。魏氏搭双庆班演出秦腔《滚楼》《背娃进府》等剧。魏长生扮相俊美,噪音甜润,唱腔委婉,做工细腻,一出《滚楼》即轰动京城。双庆班也因此被誉为“京都第一”。自此,京腔开始衰微,京腔六大名班之大成班、王府班、余庆班、裕庆班、萃庆班、保和班也无人过问,纷纷搭入秦腔班谋生。乾隆五十年(1785年),清廷以魏长生的表演有伤风化,明令禁止秦腔在京城演出,将魏长生逐出京城。 乾隆五十五年(1790年),继三庆徽班落脚京城后(班址位于韩家台胡同内),又有四喜、启秀、霓翠、春台、和春、三和、嵩祝、金钰、大景和等班,亦在大栅栏地区落脚演出。 其中以三庆、四喜、和春、春台四家名声最盛,故有“四大徽班”之称。…春台班?进京时间,按汉调名家米应先于乾隆末年,在京曾担任…春台班?台柱时始,证明该班进京时间早于…四喜?和…和春?。…春台班?位于百顺胡同。…四喜班?于嘉庆初来京。徽戏、昆曲兼演、尤以昆曲为著,故有“新排一曲桃花扇,到处哄传四喜班”之语。该班位于陕西巷内。…和春班?于嘉庆八年(1804年)于李铁拐斜街组建。该班以武戏见长。道光十三年(1853年)解散。“四大徽班”的演出剧

当代京剧领军人物

当前京剧领域代表性艺术家名录 国家京剧院 李维康(70岁,国家京剧院著名京剧表演艺术家,已退休),工青衣,是家喻户晓的京剧界泰斗级人物。国家级非物质文化遗产传承人。 于魁智(国家京剧院副院长,老生),1961年出生于辽宁沈阳,著名京剧表演艺术家,现任中国剧协副主席,中国国家京剧院副院长、艺术指导,国家一级演员,研究生学历,享受国务院特殊津贴。 李胜素(梅派青衣名家,国家京剧院一团团长)国家一级演员,工青衣、花衫。京剧界领军当红名角,梅葆玖先生的入室弟子。2004年,作为中国京剧第一人,在奥地利维也纳金色大厅举办专场演唱会,开历史之先河。 耿其昌(国家京剧院老生名家),国家京剧院一级演员,工老生。曾在红色经典剧目《沙家浜》、《智取威虎山》等作品中担任主要角色。 张建国(奚派老生,国家京剧院三团团长),1989年他只身闯上海,连唱三天一炮打红,被称为“小演员轰动大上海”。次年,随团赴沪公演,盛况空前。。1996年被推荐为“中国京剧之星”。 袁慧琴(国家京剧院著名老旦演员)国家京剧院一级演

员、中国京剧院三团主要演员,工京剧老旦。任全国政协委员、国家京剧院艺术发展中心副主任、民建中央文化委员会副主任、中国传媒大学戏剧戏曲研究中心主任 李海燕(著名程派青衣,国家京剧院二团团长) 北京京剧院 杜镇杰(北京京剧院余派老生),祖籍山东省烟台莱州市,师从刘盛通、王世续、李世霖、李甫春、杨韵清、叶蓬、吴泽东等。第二十二届中国戏剧梅花奖得主。 朱强(北京京剧院著名马派老生)辽宁沈阳人。师从尹月樵、迟金声、马崇仁、王世续、李甫春、杨韵青等,1997年考入中国戏曲学院首届京剧研究生班。 张建峰(北京京剧院奚派老生)1978年出生河北。第五届CCTV全国青京赛金奖得主。著名学者欧阳中石先生的入室弟子。第28届中国戏剧梅花奖。 杨少彭(北京京剧院杨派老生)生于1976年,第五届CCTV 全国青京赛金奖得主。第三届青年京剧演员研究生班学员。当今国内炙手可热的杨派老生人才,他的父亲是我国著名京剧演员杨乃彭,他的妻子蓝恭欣工花旦同为北京京剧院演员、梨园伉俪。 李宏图(北京京剧院叶派小生)1960年生,河北省廊坊人,北京京剧院梅兰芳京剧团常务副团长。叶少兰先生的入室弟子。

京剧与当代艺术的结合

京剧与当代艺术的结合 10125331 梁思慧 京剧本是综合性艺术,它的每一部分都具有独立出来对其进行研究的美学价值。尤其是今日,人们的观念、认识大为开放。学术、审美的融合、交叉渐成大趋势。京剧更以其独特的风格与当代各种文化产生碰撞、结合。 社科新论的讲座激发起我对京剧的好奇:这门古老的艺术在中国世代流传,作为国粹保存至今日。在当代社会中,它究竟有着什么样的地位和新的变化呢? 京剧诸多元素中,脸谱是最方便被其他艺术门类借用的部分。因为它简洁、抽象,图案化、符号化、装饰性强。北京长安大戏院门前的脸谱雕塑《中国风》建于1999年,用钢板切割出特定形状后上色而成。作品以红为主色,间以黑、黄、白三色,取对称脸谱式,与暗喻忠良正直、智勇双全人物形象的“红花脸”有相近之处,但不拘泥于某个特定脸谱样式,亦不塑造具体的眉、眼、唇,只以抽象纹饰状色块连结成面目,让人一看便知该戏院以京剧为主打特色。 同是脸谱雕塑,雕塑家董书兵的作品变化更为丰富。他的《脸谱》为左右不对称造型,分别拼接了京剧中男、女服饰与谱式中的若干元素,暗含阴阳、虚实转化之理,诸如脸谱左边眼凸起为实,右边眼挖空为虚;左边上端为女角头饰中的珠花,右边则为男角背后所插小旗的抽象形。这件作品为不锈钢喷漆,高8米。 而雕塑家吴彤的《国韵——生旦净丑》系列作品,以京剧中生、旦、净、丑四大角色的头颈胸基本造型为原型,在雕塑造型上吸纳了国画技法中“远取其势,近取其质”(出自宋代画家郭熙专着《林泉高致》中《山水训》一篇)的抽象方法,并结合白描技法中的勾线方式,简洁地勾勒出了雕塑的基本形态。整件作品被艺术家施以淡彩,在简化颈

部和胸部之余,吴彤将京剧脸谱谱式和白描中对人物五官的描绘方式融合在一起,重点刻画了人物面部。这一组作品将平面性的绘画与雕塑结合在一起,自然清新、意韵淡雅,以神写形,颇得中国水墨之神韵。 在陶艺雕塑家郑玉奎的陶艺设计中也选用了京剧元素,创作了《京剧人物》系列陶艺作品。“我父母年轻时,是方圆几十里的京剧名角。听大人讲,母亲在台上唱戏,奶奶抱着我在后台等着喂奶,结果看见母亲的装扮,奶没吃上却吓得我大哭一场。稍大一点我就开始翻看大人收藏的戏曲图片,觉得照片上的人太美了。”郑玉奎的这段作品解说词揭示《京剧人物》作品的背后,京剧艺术符号化的外表与内在的古典气息对人成长的一种认知变化。 无论是脸谱还是人物,京剧元素在今天的运用意味着一种传统文化价值的延续。京剧不仅仅作为一种戏剧形式存在,具有承载价值批判(伦理纲常)的色彩,经过高度艺术提炼后的程式化动作,无一不成为民族、国家乃至历史和文化的独特表征。但是,对于符号式元素的简单嫁接只是浅层次的继承与创新。京剧艺术内在的对于虚实、神、气、风骨、比兴、韵味、写意等方面的运用,才是所有艺术门类皆可通用的创造法则。所谓传承,究竟得其精神,还是皮毛,这才是当代京剧复兴要深入思考的问题。 有人选择传承,必然也有人选择解构。刘铮的观念摄影《三界,意识的三个层次:天堂,人间,地狱》曾引起诸多争议。这一组照片的色调为黑白泛黄,头饰华丽齐全、妆容精致的京剧演员衣着裸露,他们被置于某个特定的历史故事中。剧情却相当艳情与诡异:盘丝洞中,三个裸体妖精搔首弄姿,勾引衣衫不整的唐僧;白骨洞内,披挂上阵的孙悟空跳将起来,棒打全裸上阵的妖魔鬼怪;宦官作耳语状与裸身披薄纱的娘娘私语,眼神却窥视其身;武生与花旦公然交欢,周遭人皆视若常景……刘铮调动了现实与历史、时间与空间,在天马行空的想象中展开了戏剧化的叙事。京剧元素的应用,在此营造了与现实的距离感和舞台化的效果。然而,直接而大胆地对于性的叙述和表达,与作为传统文化和道德

北京京剧文化现状调查报告

北京京剧文化现状调查报告 32011060151对外汉语曾建 前言:京剧又称京戏,它的行当全面、表演成熟、气势宏美,是近代中国汉族戏曲的代表。在台湾又称平剧、国剧,是中国戏曲曲种之一。 京剧是在北京形成的戏曲剧种之最,至今已有200年的历史。它是在徽戏和汉戏的基础上,吸收了昆曲、秦腔等一些戏曲剧的优点和特长逐渐演变而形成的。公元1790年(清乾隆55年),徽戏开始进京。最早进京的徽戏班是享有盛名的安徽“三庆班”,随后又有“四喜”、“和春”、“春台”诸班,史称“四大徽班”(四大徽班从扬州进京)。四大徽班和以后陆续进京的徽班,以其优美动听的唱腔和卓越的表演受到观众的欢迎。从全国300多个戏曲剧种中脱颖而出,与豫剧、越剧同为中国戏曲三鼎甲:(京剧为榜首)。京剧形成后在清朝宫廷内开始快速发展,直至民国得到空前的繁荣。京剧的腔调以西皮和二黄为主,主要用胡琴和锣鼓等伴奏,被视为中国国粹。 京剧作为全国性的大剧种,其中蕴含了非常丰富的北京文化。京剧在中国文化史上占据着一个特殊的位置,被国家认定为国粹。然而,随着社会的发展,信息化时代的进一步加快,京剧这种传统的文艺及信息传播方式,已逐渐被其他的娱乐形式所取代。 作为一个普通的大学生,我想对于京剧说一些自己切身的感受。首先随着社会的发展,文化信息传播途径的多样化以及娱乐方式的多样化,我想京剧作为传统舞台表演艺术在当下的青年人当中已经非常

缺乏群众基础,现在热爱京剧的人主要还是集中于老年人以及那些中年票友。而我们这代人一般来说都对京剧缺乏了解和接触,更不用谈喜爱了。我们能上网能看电视,能玩游戏,有各种各样的娱乐活动,相比于京剧而言,显然这些东西更加符合我们当下年轻人的胃口。当下的生活节奏太快,很多人都适应了快节奏的生活,很少有人会喜欢那些冗长的京剧节目,快餐文化显然对于传统文化的冲击不少,随着时光的流逝,如果我们这代人逐渐成为社会的中流砥柱,那么可想而知,京剧的群众基础是少之又少的,而缺乏群众基础,显然京剧是无法得到很好的传承和发展的。 现在京剧面对的问题,就是如何培养新的观众.昆曲<牡丹亭>在南开大学的火暴场面值得思考。观看的大学生还是占多数,不管他们中凑热闹,好奇或者附庸风雅的人有多少,有一点是可以肯定的,有一部 分学生开始欣赏古典戏曲艺术了。京剧也要大力展开走入青年,走入大学的活动.先让学生了解京剧的声腔特点,在引导他们了解京剧的内涵.慢慢地,京剧艺术会进入部分年轻人的心中的,如果一百个人中有 一个人开始喜欢京剧,那这个比例也是非常大的. 各项政策举措对京剧艺术的发展发挥了积极作用。20世纪90年代以来,在京剧振兴方面陆续实施了京剧音配像工程、开办京剧优秀青年演员研究生班、举办京剧艺术节以及各类艺术活动、比赛和展演等,这些实实在在的政策和举措积极推动了京剧艺术的发展繁荣。2005年,文化部对全国京剧院团进行了全面评估验收,在全国范围内确定了11个国家重点京剧院团和17个省级重点京剧院团。随后,

京剧的“四大”

京剧的“四大” 四大名旦的称谓是由沙大风于 1921 年在天津《大风报》创刊号上首次提出。以京剧四大名旦最为知名,他们指的是梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生。 四大名旦合影 四大名旦的表演艺术各有特色,每人都有自己的代表剧目。 上世纪“四大名旦”: 1931 年由上海《戏剧月刊》发起征文评论梅、尚、程、荀“四大名旦”,梅兰芳以 565 分的成绩名列榜首,程砚秋获 540 分,荀慧生获 530 分,尚小云获 505 分。次年,长城唱片公司约请“四大名旦”联合灌制《四五花洞》唱片,他们这次珠联璧合的合作,使“四大名旦”之称得到社会的公认。 梅兰芳 梅兰芳( 1894 年- 1961 年),名澜,又名鹤鸣,乳名裙姊,字畹华,别署缀玉轩主人,艺名兰芳。 梅兰芳清光绪二十年出生于北京的一个梨园世家。他八岁学艺, 11

岁登台。梅兰芳是近代杰出的京昆旦行演员,“四大名旦”之首,“梅派”艺术创始人;同时也是享有国际盛誉的表演艺术大师,其表演被推为“世界三大表演体系”之一。在西方人的眼中,梅兰芳就是京剧的代名词,他的代表剧目有《贵妃醉酒》、《霸王别姬》等;昆曲有《游园惊梦》、《断桥》等。所著论文编为《梅兰芳文集》,演出剧目编为《梅兰芳演出剧本选集》。在 1918 年,梅兰芳移居上海,这是他戏剧炉火纯青的巅峰时代。 梅兰芳 1926 年出演《贵妃醉酒》剧照 程砚秋 程砚秋( 1904.1.1 - 1958.3.9 ),男,著名京剧旦角,表演艺术家,四大名旦之一,程派艺术的创始人。 程砚秋原名承麟,满族索绰罗氏,满洲正黄旗人。北京人,后改为汉姓程,初名程菊侬,后改艳秋,字玉霜。 1932 年起更名砚秋,改字御霜。 民国二十年(193 1年)9月2 1日的《华北日报》上刊登了一条消息:“今晚不登台演戏——平市名伶程艳秋,原定今晚在中和演《文姬归汉》,唯因国难当前,既挽救之不及,何忍再粉墨登场,显露色相!遂于昨日通知该园,今晚决不出演云。”

京剧艺术的传承与发展_京剧入选人类非物质文化遗产专家论坛_034c7665_bf

中国文化报/2010年/12月/14日/第008版 艺术 京剧艺术的传承与发展——京剧入选人类非物质文化遗产专 家论坛 12月10日,由北京市文化局与北京非物质文化遗产保护中心主办、北京京剧院承办的“京剧艺术的传承与发展——京剧入选人类非物质文化遗产专家论坛”在北京建国前门饭店梨园剧场举行。文化部艺术司司长董伟,文化部非物质文化遗产司司长马文辉,北京市文化局局长降巩民以及国家级非物质文化遗产传承人、京剧表演艺术家梅葆玖、谭元寿、李世济、杜近芳出席了论坛开幕式。开幕式由北京京剧院院长李恩杰主持。 11月16日,在肯尼亚首都内罗毕举行的联合国教科文组织保护非物质文化遗产政府间委员会第五次会议上,中国申报项目“中医针灸”和“京剧”审议通过,被列入“人类非物质文化遗产代表作名录”。以此为契机,论坛以“京剧艺术的传承与发展”为题展开了讨论。北京非物质文化遗产保护中心主任千容首先介绍了京剧申遗的相关情况。随后,京剧表演艺术家孙毓敏、中国艺术研究院研究员秦华生、国家京剧院原院长吴江、北京京剧院原副院长陆翱先后担任论坛的嘉宾主持,京剧界的专家学者周传家、孙萍、傅谨、解玺璋、李佩伦、刘彦君、周华斌、刘连群、陈薪伊在论坛上做了主题演讲。本报对论坛内容选摘刊发。 京剧申遗倾注了心血与努力 千容(北京市文化局非物质文化遗产处处长、北京非物质文化遗产保护中心主任) 11月16日,京剧成功入选联合国教科文组织“人类非物质文化遗产代表作名录”。这是北京市非物质文化遗产保护工作的一件大喜事,也是京剧发展史上又一座里程碑。 京剧作为我国最具代表性的传统戏剧表演艺术,具有鲜明的民族特色和高度的美学成就,是中华民族文化的重要表征和中国人文化认同的重要符号。此次京剧申遗的成功,可谓京剧200多年发展历程中的重要事件,但同时也引发了一些争论,多是困惑在一个“遗产”上,认为京剧目前并非濒危,不需要投入过多过大的精力去贴上一个世界非遗的“标签”。对此,需要做些说明。 为了扩大非物质文化遗产的影响,提高对其重要意义的认识和从尊重文化多样性的角度促进对话,联合国教科文组织《保护非物质文化遗产公约》将原来的“人类口头和非物质遗产代表作名录”调整为“人类非物质文化遗产代表作名录”和“急需保护的非物质文化遗产名录”。这两个名录的主要区别在于文化遗产的存续状态和濒危程度。京剧是中华民族传统文化的集大成,是民族智慧结晶和情感表达的载体,是当之无愧的人类文化创造的代表作。因此,不能因一叶“遗产”而障目。并非只有濒危才能申报和入选名录。能否入选“人类非物质文化遗产代表作名录”,主要考量的是该遗产的文化价值。 京剧的申遗之路倾注了很多人的心血和努力。从2009年8月起,北京市就开始组织京剧和非遗专家对名录申报要求和申报材料进行讨论和认定。在最初做申报工作的时候,我们在两个方面实现了思路的转变,走出误区。一是,联合国教科文组织认为文化遗产是创造者的,只有该遗产被持有人(包括社区、群体或个人)视为文化遗产或其文化遗产的组成部分并主张申报,才是正途。因此,在进行申报时,只有站在遗产持有者的角度叙述,才不至于错位。二是,向此前对京剧一无所知或从没有接触过的外国人描述京剧,必须避免过度的技术性描述,力求用浅显的语言完整地表达出京剧的内涵。应该做建立在正确的学术结论和文化真实基础上的说明文。 2009年8月底,我们向联合国教科文组织提交了京剧申报书、申报照片、申报视频、五位国家级代表性传承人和全国五个传承单位的确认书(确认声明他们知晓并自愿参与京剧申报工作)、申报材料所有者所有权授予联合国教科文组织的声明等资料。2009年11月至2010年1月,根据

京剧元素再创造教案资料讲解

京剧元素再创造教案

二、再创造的手法 (10分钟)寓意?运用在哪些物品上比较合适? 龙——大气磅礴 梅、兰、竹、菊——清新雅致 4.京剧元素(纹饰)。 戏服和头饰上的装饰色彩我们可以 归纳为:(1)多样、丰富。 (2)代表不同寓意。 (3)可灵活提取。 可以一种方法完成,也可组合多种方 法。 设计方法: 第一种:打散重组 把京剧元素用水平和垂直的线条打 散,形成大小相同的方块,再挑选其中 几块重新拼凑起来,装饰在物品上。 第二种:提取色彩 京剧元素色彩非常艳丽,每一个脸 谱都有一个主色调搭配邻近色和对比 色,再加上无色彩系的黑色和白色形成 丰富视觉效果。 步骤:(1)提取色板 (2)组织画面 欣赏纹饰,思 考可以运用在哪些 生活物品上面。 学生观察图 片,通过小组讨论 的形式,分析如何 利用京剧元素打造 出适合装饰的图 案。 例如:可以选 择京剧元素中的某 一纹饰进行夸张, 也可以选取半个脸 谱作扭曲处理,还 可以把脸谱中的单 一元素进行重新组 合,完成一个整体 图案。 学习总结归纳: 打散重组、提取色 彩、提取图形在 Adobe Illustrator CS6 中的操作方法。 人物的身 份:文官 —飞禽, 武官—走 兽。 纹饰 和图案是 本节课运 用的重 点,所以 在讲解中 渗透色 彩、形 式、可提 取的部分 会为学生 的作业起 到帮助作 用。 京剧 之美,不 仅限于脸 谱,服 饰、头饰 同样都会 激发艺术 的灵感。

欣赏优秀作品和学生作品 第三种:提取图形 京剧元素的美感更多来自精美纹 样,其中抽象与具象并存,层次丰富, 但直接用完整脸谱装饰物品就会死板的 感觉,在设计过程中把各种纹饰单独提 取出二至三种再进行拼合。 讲解创造方法的过程中在黑板上展 示3张提前准备好的步骤图。 带领学生欣赏成熟的商业作品。 提问:这些作品运用哪种京剧元素 再创造的方法?(打散重组、提取色 彩、提取图形) 欣赏其他班同学的优秀作品。 归纳提取图形 的方法,并讨论哪 些图形适合提取, 哪些不适合提取。 学生更加直观的 理解这三种主要的 创作方法。 思考后回答。 学生看到教师拓 展的图片会更加感 叹京剧元素可以很 好地装点我们的生 活,从而与教师一 起总结出京剧元素 应用的范围非常广 泛。 欣赏其他班同 学的作品,并指出 学生 在理解课 堂内容中 思考自己 应该运用 哪些方法 制作装饰 图形运用 在生活物 品中。 简洁 易懂。 展示学 生熟悉的 艺术或商 业领域中 京剧元素 的应用实 例,可以 更加拉近 学生和京 剧之间的 距离。

京剧崛起与中国文化传统的近代转型——以昆曲的文化角色为背景

京剧崛起与中国文化传统的近代转型——以昆曲的文化角色为背景 【内容提要】 19世纪中叶诞生的京剧是中国文化传统的重要表征之一。它是“地方戏时代”出现的最重要的剧种,是雅文化在中国文化整体中渐趋衰落的时代变革的产物。相对于超越了特定地域审美趣味的昆曲而言,它更多地是特定地域文化的产物;相对于昆曲所代表的文人士大夫趣味,它更接近于底层和民间的趣味,京剧的剧目系统更充分体现出其历史叙述的民间性或曰草根特性。 【关键词】京剧昆曲地方戏时代花雅之争 京剧是戏曲三百多个剧种里最重要的 剧种之一,在中国戏剧领域有着特殊地位。从19世纪中叶以来,京剧就是中国文化传统的重要表征之一。京剧的诞生与发展过程

是近代以来中国戏剧发展的范本,京剧与中国文化传统的关系体现了中国文化传统明 清以降发展演变的关键脉络。解读京剧的历史文化内涵,对于解读中国表演艺术的发展及其传播,对于更深入地理解中国文化传统的内在构成和近代转型,都具有重要和典型的意义。 一 京剧诞生于清中叶的北京,承接宋元以来业已历经数百年的中国戏曲文化之流,是在中国戏曲发展史的所谓“地方戏时代” 出现的许多剧种之一。和这一时代出现的大量地方剧种一样,它的出现并不是从宋元以来以戏文与杂剧为主体的戏曲历史的简单 延伸,或者说,它并不仅仅是宋元南戏、元杂剧以及明清传奇的地方化身或变种。在戏曲史上,京剧的出现意味着戏曲文化领域进入了一个新的阶段,而这一重要变化的内涵和背景十分复杂,这种复杂性,主要源于它所处的特殊的政治文化与社会背景。 日本学者波多野乾一着《京剧二百年之历史》指“三庆、四喜、春台、和春四班,

以乾隆二十五年入于北京,余窃以此为‘皮黄纪元’之年”①。姑且不论其中“乾隆二十五年”为“乾隆五十五年”之误,今人将“纪念徽班进京二百周年”视同为纪念京 剧诞生二百周年,实与该书有直接关系,即以乾隆五十五年徽班进京为京剧诞生的标志。徽班进京是京剧发展进程中的重大事件,但徽班进京不等于京剧诞生,而且离京剧诞生还有相当一段距离,这已经是学术界的共识。但是,徽班进京这一事件本身仍值得特别注意,它的艺术学含义,更准确地说,多个徽班相继进京并且在北京这座作为国家 政治中心的城市里立足发展的艺术学含义,仍值得发掘。 中国戏剧进入“地方戏时代”的背景,是中国文化整体大变革时代的来临,徽班之所以能够进入京城演出并且在北京站稳脚跟,赢得市场与观众的认可,进而催生出京剧,就是这一时代变革的突出呈现。这个大变革时代的实质,是汉代以来大一统的文化格局逐渐让位于更加错综复杂的新的多元 文化格局。秦汉以来迄至明清,中央集权的

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